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«Emanuel Ungaro, parce qu’il aime les femmes, connaît les limites de la tolérance masculine, il créera un vêtement trop beau pour être arraché, mais assez malin pour suggérer de l’ôter avec tendresse» Christine Orban
Obsédé sensuel! Ce n’est pas moi qui le dit, mais lui qui le revendiquait.
Né en 1933 à Aix en Provence, Emanuel Ungaro, fils d’émigrés italiens, apprend le métier de tailleur avec son père. Il monte à Paris à l’âge de 23 ans où il rentre en formation chez le couturier espagnol Cristobal Balenciaga, qu’il considérera comme son Maître, et qui lui donnera le goût de la couleur. Ungaro dira plus tard que son père et Balenciaga lui ont tout appris. Après deux ans chez Courrèges, il ouvre sa maison de Couture en 1965, présentant une collection dans l’esprit futuriste très à la mode à cette période, créée avec peu de moyens, puis au fil des collections suivantes, il laisse apparaître sa marque de fabrique : des imprimés de couleurs vives et un art prononcé et parfaitement maîtrisé du drapé, avant de lancer une ligne de prêt à porter en 1968 puis une ligne homme en 1973. Il est certain que ses mélanges d’imprimés de fleurs et de pois, ses associations de rayures et de carreaux, des chocs de couleurs souvent vives et inhabituelles ouvrent de nouveaux horizons à la haute couture.
«Il ne faut pas porter une robe, il faut l’habiter» aimait-il à dire. En 1980, il recevra un Dé d’Or, prix récompensant la meilleure maison de couture. Fou de couleurs et d’imprimés, il osait des mélanges qui chez d’autres auraient pu être improbables, mais qui chez lui donnait une idée d’opulence chic. Avec Ungaro, les matières sont fluides et la robe doit n’être qu’un faire-valoir des courbes du corps d’une femme libre de ses mouvements. Pas à pas, il avait développé sa maison, créant des licences de parfums, de lunettes, de chaussures… Empire qu’il avait revendu en 1996 à la famille Ferragamo.
Emanuel Ungaro, marié et père d’une fille, avait commencé à prendre ses distances à partir de 2001, laissant à son principal collaborateur, Giambattista Valli, la direction artistique du prêt-à-porter et des accessoires, avant de se retirer du monde de la haute couture en 2004.
Le couturier, très fatigué depuis deux ans, s’est éteint le 21 Décembre 2019 à l’âge de 86 ans.
Cartier rend hommage aux grands colliers de cérémonie des maharajahs. Cette parure créée en 2019 met en scène un ensemble exceptionnel d’émeraudes, mais aussi de saphirs et de rubis, autour d’un savoir-faire ancien venu d’Inde.
Les émeraudes gravées réunies par Cartier constituent un ensemble d’autant plus singulier que la forme en « grappe » du pendant est rare en Haute Joaillerie – même si Cartier l’a déjà employée par le passé dans les années 1920-30. Ce pendant est composé de 19 gemmes.
Deux émeraudes d’un poids total de 86,96 carats et une pierre de centre de 43,73 carats originaires de Colombie, lieu de provenance de gemmes parmi les plus réputés au monde, complètent cet ensemble.
Impressionnantes par leur poids, ces émeraudes se distinguent par l’ensemble harmonieux qu’elles composent mais aussi par leur couleur, leur intensité lumineuse et leur cristallisation. S’y ajoutent une émeraude de Zambie gravée hexagonale de 18,58 carats, un rubis de Birmanie gravé de 23,24 carats, huit rubis de Birmanie pour un poids total de 46,34 carats et deux rubis de Birmanie pour un poids total de 13,26 carats.
Pour Cartier, l’important dans le savoir-faire, c’est le trait d’union entre l’idée et sa réalisation, entre la créativité de Cartier et son exigence. C’est ce trait d’union que l’on retrouve entre les outils d’hier et les techniques d’aujourd’hui, entre l’esprit pionnier de Louis Cartier et la vision contemporaine de la Maison. Le savoir-faire de Cartier est le résultat d’échanges entre les designers, les joailliers et les ingénieurs. Il se développe au fil de rencontres parfois inattendues et se concrétise au fil d’un processus d’itérations. Le savoir-faire de Cartier : un dialogue ininterrompu entre technique et créativité qui unit le savoir et le faire – d’un trait d’union. On compte au total 4566 heures de travail de joaillerie, de sertissage et de polissage.
Le passage du dessin en deux dimensions à l’objet en volume constitue la première prouesse du collier Maharajah. De l’idée à l’objet, cette transformation révèle une multitude d’inconnues – ajustements de pierres, de couleurs, réglages à apporter pour parfaire l’ergonomie de la pièce. Dessinateur et joailliers travaillent côte à côte à servir un but commun : retranscrire l’idée d’origine en une parure exceptionnelle.
Une création de Haute Joaillerie est un éblouissement, un rêve transformé en lumière. C’est aussi une construction ingénieuse, conçue au millimètre, dont la complexité de conception est insoupçonnable. Sur le pendant du collier, les 19 émeraudes composent une architecture en volume, d’une parfaite tenue. Pour permettre cette chute, chaque gemme est sertie dans une très fine armature en métal,
véritable dentelle apposée sur l’arrière du collier. Chaque pierre étant unique, la mise au point de cette structure sur mesure a généré une collaboration intense dans l’atelier, mêlant à part égale esthétique et technique. Pour diriger le regard sur les gouttes d’émeraude du pendant – et ne pas le laisser s’égarer vers d’infimes points de métal qui pouvaient apparaître selon l’angle d’où l’on se place – le designer et le chef d’atelier ont mis au point un leurre : de minuscules billes de saphir ont été ajoutées en terminaison de chaque goutte d’émeraude. Ainsi, le saphir attire le regard vers l’émeraude avec laquelle il compose une association de couleurs chère à Cartier.
Tout autour de la partie centrale, plusieurs rangs de boules sont disposés, formant un plastron transformable. Selon le porté choisi (le collier en propose huit principaux), le nombre des rangs varie, et avec lui la répartition du poids des gemmes. Pour que celle-ci soit agréable à porter quel que soit le porté, l’enfilage a été intensément étudié – avec de multiples réglages et ajustements. Le dessin de création constitue le point de départ : il donne la direction et prévoit les différentes étapes en atelier, auxquelles sont associées des durées. À ce temps de travail, s’ajoute un temps parallèle qui se déroule tout au long de l’élaboration de la pièce et engage designer et joailliers à concevoir, alors que la pièce prend forme sur l’établi, une multitude de réponses à apporter aux questions qui surgissent.
Cette pièce s’inscrit dans la grande tradition Cartier de la joaillerie transformable et propose huit portés principaux pour le collier et deux variations pour les pendants d’oreilles. Ainsi, la partie intérieure en rubis se transforme en collier de chien ; les pampilles et les grappes d’émeraudes cernant le motif central peuvent être enlevées, offrant une version plus courte de la parure ; la grappe centrale se porte en pendant sur une chaîne. Les pendants d’oreilles peuvent, quant à eux, accueillir les deux émeraudes latérales.
Une pièce exceptionnelle, moderne, inspirée par le passé et l’histoire de la maison Cartier.
l’Hôtel Barrière Le Fouquet’s Paris inaugurera les 4 Suites Signature de son extension fin Novembre. Imaginées par Jacques Garcia et pensées comme de véritables appartements parisiens, elles sont une ode à l’Art de Vivre à la française. Au sommet, la Suite Harcourt rend hommage au célèbre studio parisien et propose une expérience hors du commun, sous les projecteurs et le ciel de Paris.
Entièrement rénové et agrandi en 2017, l’Hôtel Barrière Le Fouquet’s Paris assoit sa légende sur la plus belle avenue du monde avec la création de 19 nouvelles Chambres et Suites dont 4 Suites d’exception signées Jacques Garcia. Véritable joyau du groupe Barrière, l’hôtel s’impose face à l’Arc de Triomphe comme un lieu où le temps peut suspendre son vol.
Si les Chambres reprennent l’esthétique discrète et le design soigné du reste de l’hôtel, les 4 Suites Signature, conçues comme de véritables appartements parisiens, offrent de magnifiques espaces de vie, sublimant les moulures et cheminées d’origine et promettant à leurs hôtes une immersion totale au cœur du style et de l’art de vivre de Paris.
Au fil des étages, on découvre trois Suites comme on remonterait les Champs, de la « Suite George V » à celle la Suite « Arc de Triomphe ».
Loin des couleurs chatoyantes et chaudes des parties communes, Jacques Garcia a choisi d’y faire régner des tons clairs et apaisants, rehaussés de touches noires et dorées, pour en faire de véritables cocons de bien-être et de sérénité face à l’effervescence des Champs-Élysées.
Au sommet, la Suite Harcourt rend hommage à la collaboration entre l’Hôtel et les Studios Harcourt dont les histoires s’entremêlent depuis le début du 20e siècle. De Joséphine Baker à Édith Piaf, de Gabin à Tarantino, des Molière aux César, Le Fouquet’s est le rendez-vous éternel du monde des arts et du cinéma et les œuvres d’art photographiques signées Harcourt y trouvent, très tôt, leur place sur les murs. Une entente mythique qui voit son apothéose avec la création de cette Suite, couronnant l’Hôtel et surplombant les Champs-Elysées.
Sous le regard en noir et blanc des célèbres visages Harcourt immortalisés sur les murs, la Suite Harcourt déploie ses 200m2 de prestige et d’élégance.
Au cinquième étage de l’Hôtel Barrière Le Fouquet’s Paris, cet appartement typiquement parisien reprend les codes et l’esthétique du Studio, des appliques murales aux projecteurs, en passant par la feuille d’or et la dominante noir et blanc. Les fenêtres œil de bœuf, si caractéristiques de l’architecture parisienne, rappellent les objectifs photographiques et illuminent chaque pièce de leur vue imprenable sur les Champs-Élysées et l’Arc de Triomphe. Pénétrer dans la Suite, c’est toucher du doigt l’élégance à la française et l’art de recevoir très parisien, qui font la réputation du Studio Harcourt comme du groupe Barrière.
Le plus ? Un salon qui se transforme en un clin d’œil en véritable studio photo et un espace maquillage professionnel, pour offrir aux hôtes de cette Suite prestigieuse, leur propre portrait signé Harcourt.
Lieu emblématique du luxe et de l’art de vivre parisien, l’Hôtel Barrière Le Fouquet’s Paris promet, avec ces Suites d’exception, une véritable immersion dans le Paris typique où l’on entre dans sa Suite comme l’on rentrerait chez soi, où l’on reçoit et où l’on choie. A découvrir dès le 28 novembre 2019.
Luca Giordano (1634-1705) est exposé au Petit Palais depuis le 14 novembre, et pour la première fois en France pendant une une rétrospective consacrée à cet artiste napolitain, l’un des peintres les plus brillants du seicento. Disciple du maître espagnol Jusepe de Ribera, Giordano a participé tout au long de sa vie à la mise en lumière de la peinture napolitaine sur la scène artistique européenne. Un artiste prodige, un fils de peintre qui fut placé dès son plus jeune âge comme apprentis auprès du maître José de Ribera pour parfaire son talent précoce, celui d’un artiste infatigable, que son père avait surnommé Luca Fà-presto (Luca fait vite) et dont on dénombre à l’heure actuelle plus de 1000 peintures.
olio su tela 182 × 232 cm Napoli, Museo e Real Bosco di Capodimonte
Lors d’un voyage à Rome en 1652, il découvre les chefs-d’œuvre de Michel-Ange, de Raphaël, des Carracci et du Caravage, en s’appliquant à les dessiner, puis, à Parme les œuvres du Corrège et de Véronèse. Il complétera par un séjour à Venise entre 1653 et 1667 où il obtient ses premières grandes commandes. Pour la Basilique San Pietro di Castello il réalise un retable la Vierge à l’Enfant avec les âmes du Purgatoire. Il travailla aussi pour l’église Santa Maria del Pianto, aujourd’hui fermée. Après avoir visité et expérimenté dans la plupart des grands centres artistiques de l’Italie, Giordano se forgea un style personnel, combinant dans une certaine mesure la pompe ornementale de Véronèse avec les grandes compositions de Pierre de Cortone. À la fin des années 1670, à Naples, il termine l’ensemble des fresques de l’abbaye du Mont-Cassin et surtout la coupole de l’église napolitaine Santa Brigida, puis les fresques dorées de San Gregorio Armeno. De nouveau à Florence au début des années 1680, il travaille à la chapelle Corsini dans l’église Santa Maria del Carmine et à la décoration de la bibliothèque et du palais Medici-Riccardi. Il fait un troisième séjour vénitien en 1672-1674.
Vers 1687, Charles II d’Espagne l’invite à Madrid, où il reste au moins pendant toute la décennie 1692-1702 pour les fresques au monastère de l’Escurial, au palais royal du Buen Retiro de Madrid et de Tolède qui conservent une partie de ses œuvres. Giordano fut populaire à la cour espagnole et le roi lui concéda le titre de caballero (en français : « chevalier »). De retour à Naples vers 1702, il continue de travailler avec la même incessante fureur créatrice, peignant notamment de 1703 jusqu’à sa mort le plafond de la salle du Trésor de la chartreuse San Martino de Naples. Les commissions toujours plus nombreuses le conduisirent à se servir d’un atelier de production, dans lequel des aides et des collaborateurs développaient « en grands » les projets et les ébauches fournies par le maître, complétaient des œuvres commencées par celui-ci, et pour lesquelles, dans beaucoup de cas, Giordano se limitait à finir, d’un coup de pinceau, le travail effectué par ses élèves. Luca Giordano est inhumé en l’église Sainte-Brigitte de Naples.
L’ambition de cette exposition est de souligner la virtuosité de cet artiste du XVIIe siècle à travers la présentation de près de 120 peintures sur toile et d’une vingtaine de ses dessins préparatoires réunis grâce aux prêts exceptionnels du musée Capodimonte à Naples, de plusieurs églises de la ville et de nombreuses institutions européennes. Après l’exposition sur le sculpteur Vincenzo Gemito, cette rétrospective constitue le second volet de la saison que le Petit Palais consacre à Naples.
Organisée selon un axe chronologique, le parcours de l’exposition souhaite apporter une vision renouvelée de l’artiste et montrer comment Luca Giordano a su tirer le meilleur des différents courants stylistiques de l’époque pour créer l’une des peintures les séduisantes de son siècle.
Du 14 novembre 2019 au 23 février 2020 – Du mardi au dimanche de 10h à 18h
Nocturne le vendredi jusqu’à 21h – Informations: www.petitpalais.paris.fr
Amédée Paris et Nicolas Ouchenir présente une collection de foulards à porter en toutes occasions. La collaboration entre Amédée Paris et Nicolas Ouchenir s’est présentée comme une évidence. Elle repose sur un alignement profond de vision créative et de valeurs. Amédée Paris et Nicolas Ouchenir partagent un goût pour les voyages extraordinaires, les belles lettres ainsi que le respect de la nature et des hommes.
«Je suis émue et très honorée d’annoncer la collaboration d’Amédée Paris avec Nicolas Ouchenir. L’univers poétique, artistique et sensible de Nicolas Ouchenir se mêle à la laine douce, légère et responsable d’Amédée afin de faire naître des foulards exceptionnels et créatifs qui accompagneront les voyageuses et voyageurs des temps modernes dans la réalisation de leurs aspirations profondes.» Déborah Berger
Cette collaboration exclusive consiste en la réalisation d’une collection « semainier » de 7 foulards exclusifs qui sera distribuée en exclusivité pour Noël 2019. Pour réaliser cette collaboration, Amédée Paris a développé avec ses artisans imprimeurs italiens une technique exclusive d’impression sur laine. Cette technique permet de restituer avec fidélité l’aspect aquarellé des dessins de Nicolas Ouchenir.
Les 7 destinations explorées par Nicolas Ouchenir sont des destinations chères à Amédée Paris :
• la Nouvelle-Zélande, la Tasmanie et l’Argentine sont des terres de production de laine Mérinos utilisée par Amédée Paris pour réaliser ses foulards,
• l’Italie est la terre de fabrication des produits Amédée
• Paris est au coeur de la création : les pièces Amédée Paris sont imaginées et dessinées à Paris
• New York et Shanghai représentent des terres d’inspiration pour Amédée Paris et Nicolas Ouchenir.
Nicolas Ouchenir est calligraphe et directeur artistique. L’art de bien former les caractères d’écriture accompagne les plus grandes maisons et entreprises. Il imagine des alphabets, logos, de véritables identités visuelles. Sous ses doigts éclairés, la calligraphie prend une dimension artistique, sensible aux créations contemporaines comme à la culture classique. Cet autodidacte déploie une nouvelle manière de dessiner l’art des pleins et des déliés sous des perspectives actuelles. Comme lors d’une rencontre, il ouvre une discussion avec ses clients, moments à propos qui produisent l’occurrence de signatures singulières et précises. Ces calligraphies deviennent sur-mesure. Nicolas Ouchenir dédie ainsi son savoir-faire à la nature particulière de chaque client et de chacun des objets de communication qu’il dessine. Pérenne ou éphémère, le mot calligraphié est rare et précis : une signature au sens fort. Plus qu’une dimension, c’est une direction artistique dont il est question. Nicolas Ouchenir vit et travaille à Paris.
La RMN vous propose du 7 novembre 2019 au 5 janvier 2020 de découvrir le meilleur des cadeaux de musées !
A l’occasion des fêtes de fin d’année, la Réunion des musées nationaux – Grand Palais ouvre dans le Marais à Paris, le Pop-up boutiquesdemusées, le premier concept-store éphémère de France dédié à l’univers des musées.
À deux pas du métro Saint Paul, au coeur du Marais, dans un espace traversant à deux entrées sur rue – 9 rue de Rivoli et 39 rue François Miron, Pop-up boutiquesdemusées vous accueille du 7 novembre 2019 au 5 janvier 2020.
Ce pop-up store unique consacre 60m2 au meilleur des cadeaux de musées, pour la première fois réunis en un seul lieu. Une sélection d’objets inédits librement inspirés
d’œuvres d’art présentées dans les plus grands musées tels que le musée du Louvre, le musée d’Orsay, le château de Versailles, le Centre Pompidou, le musée Picasso, le Grand Palais … côtoie des objets originaux imaginés par des créateurs et des designers contemporains pour la RMN. Des collaborations artistiques en série limitée à offrir ou à s’offrir. L’univers de l’enfant peuplé de jouets drôles et intelligents, de livres d’activité et de coloriages prolonge jusque sous le sapin l’expérience du musée à la maison.
Vous pourrez y trouver une large sélection d’idées cadeaux tel que des moulages, des objets décoratifs et d’art de la table, ainsi que des accessoires de mode et de beauté, mais aussi une sélection de beaux livres et des lignes de papeterie élégantes et audacieuses qui font de ce lieu éphémère le pop-up store parisien de référence pour dénicher des cadeaux de Noël originaux, chargés d’histoire, arty, trendy et contemporains.
Pop-up boutiquesdemusées
Du 7 novembre 2019 au 5 janvier 2020
Ouvert du mardi au vendredi de 12h à 20h – Samedi et dimanche de 11h à 19h
Fermé le lundi – Fermeture dimanche 5 janvier à 19h
Adresse : 9 rue de Rivoli et 39 rue François Miron 75004 Paris
https://www.boutiquesdemusees.fr/fr/
When a talented photographer meet young male models in Paris…
Photographer: Craig Mc Leod – @macleodimages – https://craigmacleod.com/
Models: Helmy, Julien C., Florent, Jean-Louis, Kenzo, Loïk – www.blakemen.com
Le Windo Skybar rend de nouveau hommage à la Ville Lumière à travers sa nouvelle carte : à 140 mètres d’altitude, les cocktails s’y dégustent armés d’une boussole et d’un esprit d’aventurier, pour mieux découvrir la capitale…
Au 34ème étage du Hyatt Regency Paris Etoile, seul hôtel gratte-ciel de la capitale, la Chef Barman Jessy Lansee s’est inspirée de la skyline parisienne pour imaginer la nouvelle carte du Windo Skybar, résolument innovante et savoureuse. Celle-ci s’attache à réinterprété en d’originales créations les lieux emblématiques de la capitale que les larges baies vitrées du bar permettent d’admirer, à 140 mètres du sol. Chacun associés à un degré, la vingtaine de cocktails de la nouvelle carte nous révèle un tout nouveau Paris. Tel un jeu de piste, le spectateur armé d’une boussole s’offre un tour à 180° sur l’histoire vertigineuse de la capitale.
Parmi ces nouveautés, le détonnant « Rue Mouffetard », potion magique à base de vodka et d’épices, nous plonge dans les contes de notre enfance. « Triomphe » rend quant à lui hommage à deux grands classiques français, le cognac et le champagne, en les modernisant par une originale liqueur d’açai. Mentionnons encore le « Jardin Suspendu » dont les arômes de bergamote et de citron rappellent les serres du célèbre Jardin d’Acclimatation.
Suspendu à 140 mètres du sol, le Windo Skybar est un véritable rendez-vous parisien. Inauguré en 1974, il a accueilli les soirées les plus mémorables, grâce à sa vue imprenable sur le tout Paris. Totalement repensé en 2018 par l’architecte New-Yorkais George Wong, le design du bar s’inspire d’un jardin intérieur privé, au cœur de la ville.
Au rythme des sessions DJ live, on y prend un peu de hauteur pour mieux s’imprégner de la cadence urbaine. Chaque soir, le bar offre la promesse d’un spectacle en tête à tête avec la Ville Lumière…
Du lundi au vendredi, le Windo Skybar met en place les « Golden Hours », de 17 à 19 heures, et propose la deuxième boisson offerte.
Windo Skybar
34ème étage du Hyatt Regency Paris Etoile
3 Place du Général Koenig, 75017 Paris
01 40 68 51 31 – www.windoparis.com
Photographe: Cyprien Leym – @cyprienleym – www.cyprienleym.fr
Modèle: Jeremy Roulleau – @jeremyroulleau – www.blakemen.com
Stylisme: Hervé Godard – @blake_mag
La cour des Vosges ouvre ses portes. Après le Nolinski, le Brach et le Sinner, le groupe Evok inaugure une nouvelle adresse. Au cœur du Paris historique, unique hôtel à offrir une vue imprenable sur le square Louis XIII, Cour des Vosges, est dotée de 12 chambres et suites, d’un restaurant et d’un bain romain.
Retraite secrète, adresse confidentielle et hôtel très particulier, la cour des Vosges cultive l’art de vivre à la française et l’élégance des hôtels particuliers parisiens. La décoration est signée Lecoadic-Scotto, ils offrent ici une atmosphère toute particulière, une discussion entre les époques où le design contemporain rencontre objets et clins d’œil d’époque. Hauteur sous plafond, sol en terre cuite, lits à baldaquin revisités, ici l’authenticité et l’esprit du lieu sont conservés et respectés.
La terrasse au rez-de-chaussée offre une restauration légère mais également, un « corner pâtisseries Brach », où une sélection de douceurs sucrées, concoctées par le pâtissier Yann Brys, Meilleur Ouvrier de France est proposée.
Dans la pierre de Paris, cette pierre blonde issue des carrières des anciens rois de France, la Cour des Vosges réinvente son histoire. Situé dans le carré royal de la célèbre Place des Vosges, EVOK reçoit dans l’ancien hôtel de Montbrun, classé monument historique où le temps suspend son vol avec poésie.
Dans le respect des formes et volumes d’époque, arbres et arcades s’invitent dans l’intimité des suites et des chambres. Toutes ont une vue sur le square Louis XIII et ses façades en briques roses coiffés d’ardoise, édifiées au XVIIe siècle.
Les douze chambres et suites de cet ancien hôtel particulier offrent aujourd’hui espaces privés, salon de thé, et bain romain, que revisitent sur quatre étages une décoration originale mêlant adroitement modernité et éléments du décor d’origine. Les plafonds de bois peints cohabitent avec plaisir avec les murs d’aluminium brossés et les moquettes orange seventies répondent aux tomettes hexagonales en terre cuite typique de cette période de l’Histoire. Et c’est bien là la principale force de la cour des Vosges : réaliser le tour de force de créer le trait d’union entre passé et présent, classicisme et modernité.
19 PLACE DES VOSGES 75004 – T. 01 42 50 30 30
www.courdesvosges.com – @courdesvosges
New Man, marque culte des années 70 et 80 revient, est relancé par The Place London.
C’est dans un esprit d’innovation et de dépassement des frontières, deux mots d’ordre chers à The Place London, que cette année voit apparaître la renaissance mondiale de la marque française de jeans New Man. Derrière ce renouveau, Simon Burstein, qui se souvient du jean New Man de sa jeunesse alors qu’il travaillait comme vendeur chez Browns.
Il faut se souvenir que New Man, c’est l’histoire de deux jeunes frenchies un peu fous et rêveurs qui partent en virée initiatique en Californie. Avec son énergie créatrice, son style de vie cool et surtout, ce soleil omniprésent, le Golden State les électrise. A leur retour, ils n’ont qu’une envie : insuffler cette énergie dans un projet personnel. Ce sera une marque de vêtements, pour homme et pour femme, mais sans le côté bling de la mode ou conservateur du luxe. Ce qu’ils veulent, ce sont des vêtements de jour, un style urbain avec une sophistication sportswear dans les coupes et les finitions. Mouvement, couleur et impertinence, sinon rien ! Dire qu’il a été crayonné sur un bout de serviette… Il fallait au moins un designer de la stature de Raymond Loëwy, pionnier du design industriel moderne, pour réaliser un tel trait de génie ! Le logo ambigramme de New Man est à l’image de ses valeurs. Dans un sens comme dans l’autre : _il se lit exactement de la même façon ; _il est l’étendard d’un style et d’un esprit sans cesse renouvelés : libre, intrépide et entreprenant.
C’est grâce à son adoration nostalgique pour la marque, si célèbre pour ces jeans colorés dans les années 70 et 80, et à l’amour toujours croissant de la Mode d’aujourd’hui pour le passé, que Burstein a personnellement recherché les propriétaires de la marque et a obtenu une licence mondiale exclusive pour les magasins The Place London, à Londres et à Paris. Connu pour son pantalon en velours aux couleurs vives et ses vestes assorties pour hommes et femmes, New Man est une marque emblématique des années 70. Les silhouettes et les choix de couleurs audacieux restent intemporels et donc idéaux pour le consommateur actuel. Le jean en velours à cinq poches, taille haute et évasé, est disponible en six coloris: rose vif, bleu royal, beige, anthracite et noir, tous avec des vestes assorties. Ils sont disponibles à partir de 200 € et sont disponibles en exclusivité chez The Place London au 8 rue de L’Odeon – Paris 75006.