close

designer

LifestyleMagazine

RENAULT 5 DIAMANT: Happy 50th Birthday

UN SHOW-CAR ÉLECTRIQUE DÉVELOPPÉ AVEC PIERRE GONALONS POUR LES 50 ANS DU MODÈLE

Renault s’est s’associée au designer français Pierre Gonalons pour réinventer ce modèle iconique. Le résultat de cette co-création est Renault 5 Diamant, un show-car électrique inédit né de la rencontre entre les univers du design intérieur et celui de l’auto.

© Gaelle Le Boulicaut

L’année 2022 marque le 50ème anniversaire d’une des icônes de la marque, Renault 5. Véritable symbole de la culture pop, Renault 5 s’est vendue à plus de 5 millions d’exemplaires dans de nombreux pays entre 1972 et 1984.

Renault propose ainsi de nombreux rendez-vous et activations, avec évènements, happenings et opérations sur les réseaux sociaux.

RENAULT X PIERRE GONALONS

Aujourd’hui c’est une nouvelle collaboration entre Renault et le designer français Pierre Gonalons qui fait l’actualité. Pour fêter les 50 ans de ce modèle iconique, Renault a décidé de s’associer à un grand designer reconnu parmi les 100 meilleurs créateurs par la publication Architectural Digest et représentant de l’art à la française.

Le produit des échanges entre Pierre Gonalons et l’équipe Couleurs et Matières du Design Renault est le show-car Renault 5 Diamant. Une voiture électrique montrant la vision du designer de la voiture du futur, en fusionnant les codes de l’automobile avec ceux de la décoration intérieure.

 « Je suis honoré de l’invitation de Renault à réinventer la mythique R5 à l’occasion de son cinquantième anniversaire. La marque m’a laissé carte blanche pour dessiner la voiture de mes rêves. » a affirmé Pierre Gonalons, « La R5 incarne à mes yeux une vie pop, optimiste, résolument contemporaine.  Avec Renault 5 Diamant j’ai voulu rendre hommage à son design révolutionnaire tout en traduisant mon univers de formes et de couleurs dans le monde automobile. »

© Gaelle Le Boulicaut

RENAULT 5 DIAMANT

L’inspiration pour Pierre Gonalons est venue des arts décoratifs et plus particulièrement de la haute joaillerie, que l’on retrouve dans les détails précieux et innovants.

Renault 5 Diamant garde les lignes caractéristiques et la forme iconique de la « Supercar » originelle qui sortait de la ligne de production de Renault en 1972, mais sous cette silhouette familière, une transformation profonde a eu lieu. Sous le capot, la voiture est équipée d’un moteur 100% électrique, premier élément qui signale sa modernité. Visuellement, son design introduit des détails de haute qualité qui invitent à la découverte de ce mélange inédit et raffiné.

François Farion, Directeur Couleurs & Matières de Renault, a souligné : « L’univers créatif et la personnalité de Pierre Gonalons et de ses collaborateurs font partie du fleuron d’artisans français, donnant un résultat novateur et élaboré dans les détails. Pour moi la Renault 5 Diamant est d’abord le choc émotionnel des teintes extérieures qui donnent à la voiture un aspect à la fois naïf et sophistiqué, et l’attention du détail apporté par Pierre, très sensible aux références et à la signification de chaque élément. »

A l’extérieur, la carrosserie a été épurée pour mieux souligner les lignes iconiques de la Renault 5 et les appendices habituels sont volontairement sortis de leur environnement et ont été magnifiés en forme comme en finition. Les phares et feux sont facettés comme des pierres précieuses et les roues larges, héritées de la version Alpine, ont été lissées et signées en leur centre du soleil cher à Pierre Gonalons. La teinte extérieure présente une peinture tri-couche, faite de pigments dorés sur une base rose. Elle est récouverte d’un vernis givré, ce qui donne un effet très changeant avec des reflets dorés au soleil, et une nuance plus bleue dans les ombres.

© Gaelle Le Boulicaut

A l’intérieur c’est l’épure qui domine. Avec les expertises conjointes du Design Renault et des artisans associés à la réalisation du projet, Pierre Gonalons a pu simplifier la voiture en ne gardant que des éléments très spécifiques. Les poignées de portes et commandes de lève-vitre ainsi que le levier de vitesses sont faits à partir d’une sphère tronquée, traitée comme des références très parisiennes en laiton doré à l’or pâle, matériaux inoxydables, et très durables. Le volant, avec sa forme très particulière et pourtant fonctionnel, est produit avec du marbre sur carbone, et même la clé du véhicule subit un traitement spécifique. Tout en s’appuyant sur l’expertise de Renault pour donner à l’ensemble un crédibilité et un réalisme automobile sans faille, et sans compromettre l’usage des éléments fonctionnels.

Renault 5 Diamant apporte aussi de la technologie. Tout d’abord elle est 100% électrique, et intègre un lecteur d’empreinte digitale déverrouille les portes. Véhicule électrique, Renault 5 Diamant propose un levier de vitesses à trois positions séquentielles (marche avant, neutre et marche arrière). Trois compteurs ronds à l’affichage digital célébrant l’horlogerie affichent les informations essentielles : vitesse, charge et heure. Quant à la navigation et l’info-divertissement, tout peut être facilement fourni par le smartphone du propriétaire qui trouve sa place dans un emplacement dédié au milieu de la planche de bord.

© Gaelle Le Boulicaut

FLEURON DE L’ARTISANAT FRANÇAIS

Renault 5 Diamant, soignée dans le moindre détail est réalisée à partir de matériaux d’excellence fournis par des artisans au savoir-faire reconnu et unique, suivie d’une exécution sans faille. Le show-car a bénéficié de l’expérience de Design et Solution, société spécialisée dans la réalisation de véhicules d’exception, chargée du développement, de l’assemblage et de la réalisation finale du show-car.

En plus, plusieurs artisans qui travaillent au quotidien avec Pierre Gonalons ont participé au projet pour apporter leur expertise. En détail, le volant et le vide poches sont fabriqués en marbre recyclé par Minéral Expertise, employant un marbre français, le « Grand Antique d’Aubert », travaillé d’une manière tubulaire, qui le rend plus léger et malléable. Quant au tissu des fauteuils et le tissu en crin de cheval gainant le tableau de bord, les deux sont fabriqués par l’éditeur de textiles Métaphores, le seul atelier dans le monde à continuer à tisser le crin de cheval à la main. Le tapis de sol en laine mohair est fabriqué par Pinton, une des dernières manufactures de tapisserie d’art Français, historiquement installé à Aubusson. Enfin, la dorure des ornements de la voitures, comme du monogramme sur le capot, est réalisée par l’atelier Bertin-Aubert de Paris, qui se distingue par son savoir-faire et précision dans la réalisation.

 

OFFENSIVE DIGITALE ET VENTE AUX ENCHERES

Après avoir rassemblé des communautés de passionnés sur Facebook, Instagram, LinkedIn, Twitter et YouTube, et avoir récemment lancée ses pages officielles TikTok et Pinterest, Renault a décidé de faire son entrée dans l’univers des NFTs.

Ainsi, dans le cadre de ce projet, Renault et Pierre Gonalons développeront aussi une collection de nombreux NFT inspirée de la Renault 5 Diamant qui sera dévoilée en septembre.

Renault 5 Diamant sera aussi vendue aux enchères quelques semaines plus tard avec son « digital twin » NFT. À la suite de la vente, les bénéfices seront reversés à Give Me 5, le nouveau projet de responsabilité sociale de la marque dédié aux jeunes générations au travers du sport et de la musique.

read more
ArchivesMagazine

Thierry Mugler, le deuil d’un génie

Thierry Mugler est né à Strasbourg en 1948 dans un milieu bourgeois. Enfant solitaire, il s’échappe dans un monde imaginaire :  « Comme j’étais très seul, enfant, je rêvais, je lisais des illustrés, je fuguais dans la forêt voisine pour vivre dans une grotte comme Timour, l’homme des cavernes, héros de bandes dessinées de l’époque. J’imaginais des mondes à l’opposé de celui de la bonne société strasbourgeoise, dont je désespérais de jamais sortir. J’avais envie de m’évader ».

Il commence la danse classique à 9 ans et rejoint à 14 ans les ballets de l’opéra du Rhin. « Mes parents étaient désespéré et ne me l’ont pas pardonné, mais cela m’a libéré. Et la magie de la scène ne m’a plus quitté. »
La danse lui ouvre les portes du théâtre où il s’intéresse également aux jeux de lumière, à la mise en scène et à la création de costumes. Il garde de cette expérience de danseur classique, non seulement un talent développé pour l’expression corporelle, mais aussi le sens de la discipline du corps et de l’esprit. Il prend en parallèle des cours à l’école des Arts décoratifs de Strasbourg, pour y suivre un cursus d’architecte d’intérieur.

Photo Patrice Stable-Mugler collection 1995-1996

En 1969, à l’âge de vingt et un ans, il s’installe à Paris. Il découvre et fréquente le milieu homosexuel parisien, notamment le Fiacre, un bar-restaurant de Saint-Germain-des-Prés. Son allure, son style, puisqu’il porte ses propres créations, lui font très vite comprendre qu’il ne laisse pas indifférent.
Il vend des dessins et des croquis à des fabricants du Sentier. Il passe donc rapidement, en toute logique, au stylisme de vêtements qu’il expose à partir de 1970 dans la boutique parisienne « Gudule », sorte de « Colette » ou de « Maria Luisa » de l’époque. Devenu styliste indépendant, il commence a travailler pour diverses grandes maisons de prêt-à-porter à Paris comme à l’internationale.

En 1973, il crée sa première collection « Café de Paris ». Citadine et sophistiquée, à contre-courant des tendances du moment, la collection annonce un retour à l’image d’une femme sexy, parisienne, aguichante et sûre d’elle, déjà très fortement marqué par l’élégance sobre et intemporelle des actrices hitchcockiennes.


Ce sont les prémices d’une hyperféminité qu’il développera tout au long de sa prolifique carrière. Il affirme déjà son style, alliant classicisme et modernité, une silhouette épurée et sexy, loin de la mode « baba-cool » et des standards vestimentaires du moment.
À contre-courant d’une mode folklorique et déstructurée, Thierry Mugler crée une société à son nom associé à parts égales avec Alain Caradeuc pour développer sa mode féminine et lancer un ligne masculine.

Son nom commence a circuler. En 1978, Fabrice Emaer, propriétaire du mythique Palace lui demande d’habiller les serveurs. Il créera une combinaison constituée de coton rouge avec des épaulettes et une ceinture en lamé or. La même année, il ouvre sa première boutique à Paris, place des Victoires (dans le 1er arrondissement), aménagée par la célèbre architecte Andrée Putman.


Il lance également une collection pour homme : il retravaille le classique vestiaire masculin et lui donne un style résolument moderne. Une coupe nette, précise, structurée grâce aux épaulettes, qui dessine une silhouette facilement reconnaissable : une allure dynamique et élancée, totalement en phase avec l’air du temps.

 

Dès le début des années 1980, Thierry Mugler acquiert une renommée internationale et ses collections rencontrent un succès commercial. Il fait parti des mousquetaires de la Mode: Jean-Paul Gaultier, Claude Montana, Chantal Thomas et lui.


À l’invitation de la Chambre syndicale de La haute couture, il réalise dans les années 1990 sa première collection en tant que « membre invité » de la haute couture.
Il hisse la mode au rang d’art visuel : ses défilés de mode, conçus comme des spectacles à part entière, attirent les stars du monde entier aussi bien au premier rang que sur le podium. On verra défiler Cyd Charisse, Tippi Hedren, Amanda Lear, les soeurs Kessler, Diana Ross, Ivana Trump… aux côtés des tops models du moment mélangés à quelques stars du X!

La presse est quasiment unanime sauf certains articles qui critiquent l’aspect « caricatural » de ses créations où les thèmes de la guerre, des amazones, de la domination sont présents, jugées notamment dégradantes pour l’image de la femme, alors qu’il représente un femme forte, et résolument féministe.

En 1989, il crée les costumes de la première tournée de Mylène Farmer, et collabore à nouveau avec la chanteuse dans les années 1990 pour certains de ses clips (XXL, Souviens-toi du jour…).
Il refuse de réaliser les costumes du film « Cotton Club » de Francis Ford Coppola ou encore ceux de Michael Jackson pour sa tournée « Dangerous », tout comme les propositions de Madonna ou encore de Bernard Arnault, lequel lui aurait proposé de reprendre la direction de Dior.

En 1992, il lance avec le concours du groupe Clarins les parfums Mugler, entité séparée de la couture dont il occupe le poste de directeur artistique. Son premier parfum « Angel », révolutionnaire par son flacon ressourçable, en forme d’étoile et son jus particulier, reste aujourd’hui encore un des plus grands succès de la parfumerie dans le monde.

En 1992 également, il a été choisi pour réaliser les costumes du clip de Georges Michael « Too Funky ». Mais il a également voulu apposer sa patte dans l’histoire du clip, dont résulte une version alternative bien plus subversive que l’originale.
En 1997, la maison Thierry Mugler est finalement rachetée par le groupe Clarins.
En 2002, Thierry Mugler, décide de quitter le monde de la mode pour explorer d’autres formes d’expressions artistiques mais restera impliqué dans la direction artistique de sa marque jusqu’en 2013.


Clarins ferme la partie « couture », déficitaire, de la marque en 2003. D’autres stylistes se succèderont pour les collections de prêt-à-porter et les accessoires de la marque comme Rosemary Rodriguez (de 2008 à 2011) puis Nicolas Formichetti (de 2009 à 2013), David Koma (de 2013 à 2017) et enfin Cassey Cadwallader depuis 2017.

En 2019, après 20 ans sans avoir créé de nouvelle pièce de sa main, il dessine la robe qu’a porté Kim Kardashian au Met Gala. Cette création est directement influencée par les pièces d’archives faisant écho à la rétrospective Mugler au musée des beaux-arts de Montréal.

Cette exposition est présentée depuis septembre 2021 et jusqu’au 24 avril 2022 au Musée des Arts Décoratifs de Paris.

read more
ArchivesBlogMagazine

Ahmed Al-Maadheed, expostion au Legacy Store

Pour sa première exposition parisienne, Ahmed Al-Maadheed présente jusqu’au 17 janvier 2022, une série d’œuvres inédites, placée sous le signe de la rencontre entre Doha et Paris. Le parcours artistique scénographié chez Legacy rassemble une vingtaine de peintures résolument contemporaines, dans lesquelles Ahmed aborde les grandes thématiques de la culture qatarie, où se mêlent graphisme, peinture, gravure et calligraphie.
Rimal (sable) Art Exhibition célèbre la beauté de son environnement tout en nuance, à mi-chemin entre modernité et tradition. Ses coups de pinceaux dynamiques et les couleurs vives utilisées dans ses peintures reflètent l’énergie créative de sa démarche sur fond d’ouverture culturelle.

Ahmed Al-Maadheed est un artiste international reconnu pour avoir créé l’icône « Tamim the Glorious » à l’effigie de l’émir du Qatar, cheikh Tamim ben Hamad Al-Thani, lors de la crise du Golfe en 2017.
Devenu emblématique, le portrait phénomène imaginé par l’artiste s’est propagé avec fulgurance sur les réseaux sociaux et dans les médias du monde entier. Son œuvre inspirée du pochoir est alors visible partout dans les rues de Doha, tant sur les voitures que les murs des bâtiments, remportant un succès sans précédent auprès de l’opinion publique et des qataris qui se l’approprient au quotidien, propulsant le jeune créatif au rang de figure incontournable de la nouvelle scène artistique du Qatar.

L’aventure commence en 2009, lorsqu’il lance son agence de création à 23 ans. Il multiplie les collaborations et réalise des campagnes d’envergure sur un large éventail de projets, notamment pour les grands événements culturels et sportifs du Qatar. En parallèle, il produit des films d’animation diffusés sur les médias locaux.
Aujourd’hui, Ahmed est l’artiste figure de proue du Qatar, reconnu sur la scène internationale représentant le renouveau artistique de son pays. Son œuvre devenue virale est aujourd’hui un symbole de constance, de loyauté et de détermination. En phase avec son temps, il publie son travail sur les réseaux sociaux pour continuer à transmettre son art porteur d’un message universel et son expérience aux jeunes générations. Son impulsion créative en perpétuelle effervescence le pousse à développer des projets toujours plus surprenants, uniques et positifs.

Legacy store propose une nouvelle expérience dans l’univers de l’hôtellerie internationale. Créée en 2019 par Sébastien Chapelle & BOW Group, Legacy est une boutique avant-gardiste spécialement conçue pour les hôtels de luxe. Avant de gagner les plus grandes capitales du globe la première du genre a ouvert au cœur de l’Hôtel Barrière Le Fouquet’s Paris à deux pas des Champs-Élysées.
Ce lieu inédit invite les visiteurs à la découverte de services personnalisés et de produits exclusifs dont les créations les plus recherchées dans les univers du high tech, de l’art de vivre, de l’horlogerie, du grooming, de l’accessoire et de la joaillerie, ainsi qu’une sélection de beaux livres et un espace dédié au voyage sous toutes ses formes. À découvrir sur www.legacy.paris

Ahmed Al-Maadheed «Rimal exhibition» – Exposition ouverte au public – 08 déc. 2021 – 17 janv. 2022 – Ouvert tous les jours de 10h à 19h. Legacy store – Hôtel Barrière Le Fouquet’s Paris – 46 avenue George V – Paris 8

Instagram : @ahmedbinmajed
www.ahmedbinmajed.com

Instagram : @legacyconceptstore

 

read more
ArchivesMagazineNews de Mode

RVK France, maroquinerie unisexe aux cuirs d’exception

Renaud Van Kote, ancien de chez Hermes et Cartier, lance RVK France, une collection de maroquinerie pour hommes et femmes au design singulier et fonctionnel fabriquée en France dans des cuirs d’exception.

Une collection de maroquinerie pour hommes et femmes, des sacs fonctionnels qui multiplient les usages en permettant plusieurs types de porté. Les lignes sont graphiques et mettent en avant la structure du sac en jouant sur les contrastes de matières et de couleurs.
Chaque modèle a été dessiné, inspiré par une personnalité, un dialogue dont chaque sac est le résultat. Ce dialogue se poursuit, s’incarne, le modèle prend le nom de son instigateur et raconte son histoire. A vous, à votre tour de poursuivre cette histoire.

RVK France se veut responsable. « C’est le choix d’une maroquinerie d’exception, parce que nous pensons qu’il est essentiel de produire localement afin d’être au plus proche de nos partenaires, de réduire notre impact environnemental et de participer à la redynamisation de nos campagnes, nous sommes fiers de vous proposer une maroquinerie fabriquée exclusivement en France à partir de cuirs et tissus français et européens. »

RVK France propose des sacs et accessoires à l’identité forte, dont l’ergonomie est adaptée aux nouveaux enjeux de mobilité (déplacements à vélo et en scooter, télétravail) avec une conception locale et durable. Toute la collection est disponible en ligne (www.rvkfrance.com) et sur rendez-vous au studio parisien (métro Louis Blanc). En Ile de France le nombre de cyclistes a été multiplié par deux en un an. Cependant n’importe quel citadin converti au vélo se rend vite compte que ses sacs habituels ne sont
pas adaptés à la pratique : trop encombrants, pas assez confortables, impossibles à porter sur le dos ou en bandoulière. Chez RVK France, l’ensemble de la collection a été conçu pour la mobilité avec deux ou trois portés différents pour chaque modèle. Ce sont des années de tests et de retours clients qui ont permis d’améliorer chaque modèle et d’aboutir à un résultat proche de la perfection, alliant élégance et fonctionnalité. Pour tous les déplacements : à pieds, en vélo, en scooter, en métro, en voiture, en train ou en avion. Cette philosophie d’amélioration continue est au cœur de la création chez RVK France, qui assure le suivi et le service après-vente pour chaque objet en étant à l’écoute de chacun de ses clients.

« Passionné de maroquinerie depuis de longues années, formé à l’Institut Français de la Mode puis ayant travaillé chez Hermès et Cartier, j’ai mis le doigt dans l’engrenage de la création en dessinant d’abord pour moi un sac après avoir passé en revue sans succès ce qui existait chez les maroquiniers traditionnels. Puis à la demande d’amis, de collègues puis d’amis d’amis, je dessine et fais faire d’autres modèles, jusqu’au point où je me lance afin de donner vie à ce qui est devenue une collection. »  Renaud Van Kote

RVK France réconcilie savoir-faire français et offre appropriée (à partir de 95€ pour les ceintures et portefeuilles) afin de proposer au plus grand nombre des objets singuliers, pratiques et made in France. Plus de dix-huit mois ont été nécessaires pour sélectionner les meilleurs fournisseurs, essentiellement français, également anglais et italiens. La majorité de ces fournisseurs est labellisée Entreprise du Patrimoine Vivant (EPV), label décerné par l’état français pour distinguer l’excellence des savoir-faire. Tous sont également fournisseurs des plus grandes maisons.


La réalisation du cartable « Marius » est ainsi le résultat du travail combiné de 9 fournisseurs différents (7 français, 2 italiens et 1 britannique). Ces savoir-faire sont mis à l’honneur dans chacune des créations RVK France ainsi que par des articles et interviews publiés sur le site internet. Le choix de fournisseurs locaux permet de garantir la traçabilité et le respect des normes environnementales et sociales ainsi que de diminuer l’empreinte carbone logistique. Une attention particulière est portée à la durabilité des matériaux choisis et à leur origine. Les cuirs utilisés proviennent exclusivement d’élevages européens. Pour rappel, le cuir est un sous-produit de l’élevage d’animaux destinés à l’alimentation, à ce titre, le cuir peut être considéré comme le plus ancien des produits issus du surcyclage.
Les tissus de doublure intérieure en laine sont fabriqués à partir de laine française surcyclée. La toile de coton est traitée en Angleterre et issue de cultures biologiques. Enfin la réparabilité de chaque objet est intégrée lors de sa conception afin de maximiser sa durée de vie.

Une collection à l’image de notre vie actuelle. Bohème mais organisée, simple mais sophistiquée, chic sans ostentation. A découvrir d’urgence!

 

read more
ArchivesBlogMagazineNews de Mode

Baptiste Giabiconi & Aubade Homme: la nouvelle collection

Baptiste Giabiconi a reçu carte blanche pour réaliser une ligne de sous-vêtements masculins pour la saison Printemps/Eté 2021.
Après s’être imposé comme LE mannequin phare de ces dernières années en ayant travaillé aux côtés de noms de la mode et côtoyé le plus grand d’entre eux, le regretté Karl Lagerfeld, c’est tout naturellement que Baptiste a accepté de réaliser une ligne de sous-vêtements pour la collection AUBADE HOMME.

Pour lui, comme pour la marque, cette collaboration est une évidence, le même esprit, les mêmes envies. Baptiste Giabiconi incarne la séduction à la Française, le charisme, le sex appeal et la modernité, il est l’Homme Aubade par excellence !
Après un travail de réflexion et de recherche, la thématique de la collection AUBADE HOMME s’est orientée vers le tatouage. Pour la nouvelle collection avec Baptiste Giabiconi, Aubade a développé une nouvelle forme de boxer : Le trunk. Cette nouvelle forme de boxer est plus courte, elle est à la fois moderne et confortable. La collection est disponible dans deux coloris contrastés : Red Ornament et White Ornament ! Imprimé rouge et noir ornemental et graphique tout en modernité cocréé exclusivement par Baptiste Giabiconi. La ceinture noire est logotypée, ton sur ton Aubade || Baptiste Giabiconi.

A la fois décoratif et symbolique, l’art ancestral du tatouage, adopté par toutes les classes sociales, et particulièrement prisé des jeunes hipsters, permet toutes les fantaisies. Baptiste a donc choisi des tatouages faits d’arabesques, de volutes et de fleurs dans des tons tout en contrastes : le rouge et le noir, le blanc et noir. Lors d’un shooting exceptionnel, la collection Aubade & Baptiste Giabiconi prend vie sous le soleil méditerranéen, mise en valeur par le photographe Markus Jans et le corps de Baptiste.

 

read more
ArchivesMagazineNews de Mode

Fred Perry: 70 ans de mode

C’est en 1952 que Fred Perry crée sa marque éponyme et qu’il introduit l’emblématique couronne de laurier dans le coeur de tous les férus de mode. Aujourd’hui elle est portée comme un insigne, rendant hommage à l’homme issu d’un milieu modeste et qui a brillamment remporté le tournoi de Wimbledon à trois reprises.

Depuis sa création, l’authentique polo Fred Perry est toujours finalisé par un laurier brodé côté cœur. Cette broderie prend exactement 94 secondes à être réalisée. Elle restranscrit plus de 60 ans d’héritage ! Arrivé en 1957 dans les grands magasins Lillywhite de Londres suite au succès rencontré auprès des fans de West Ham, le Tipping est une valeur sûre dans les collections Authentic. 

Le polo et son authentique couronne de laurier ont rapidement été adoptés par les passionnés de la marque qui s’associent à son histoire, profondément enracinée dans la contre-culture des années 60, sensible à l’émergence du mouvement des Mods, à l’esprit british et à la Brit Pop! Pour la première fois, la mode descend dans la rue: le streetwear est né!
Fred Perry est devenu synonyme de sport et musique, sa culture britannique naturelle dépasse à la fois le temps et l’authenticité. Aujourd’hui, les polos sont proposés chaque saison dans une large palette de coloris.

Après le succès de la campagne Tell Us You Story où les fans de la marque partageaient leur affinité de la marque en photo, Fred Perry lance #wearetipped. Le principe: Poster sa photo en polo Fred Perry!
Retrouvez le #wearetipped sur l’ensemble des réseaux sociaux, Twitter, Instagram et Facebook


Ce hashtag #wearetipped permettra ensuite à la marque de sélectionner les images les plus créatives. Elles seront mises en avant sur la page d’accueil du site: www.fredperry.com au même titre qu’il est déjà possible de découvrir en home page du site, la video illustrant les 94 secondes de la création du laurier sur le célèbre polo !
Cette sélection de membres et fans contribuent activement à l’inspiration générationelle de Fred Perry. Ils promettent un avenir créatif et certain à la marque tout en laissant une trace dans son histoire.
www.fredperry.com/wearetipped
#WEARETIPPED

read more
ArchivesMagazineNews de Mode

ASICS x Vivienne Westwood sneakers GEL-KAYANO 26

Pour sa nouvelle collaboration avec la designer anglaise Vivienne Westwood, ASICS nous propose non pas une, mais deux versions de son modèle GEL-KAYANO 26 recouvertes d’un maillage imposant, l’une full white et l’autre full black.

Cette seconde collaboration alimente la fructueuse relation qui s’était jusque-là appuyée sur des imprimés « gribouillis » inspirés d’un thème de l’époque Renaissance. Elle se fond parfaitement dans la catégorie « équipement de course » tout en gardant la touche « Punk Anglaise » et la sensibilité créative tellement représentative de Vivienne Westwood.

 

De la « toebox » à la languette, la paire est surmonté par un filet ou maillage noir ou blanc qui se positionne au-dessous d’un système de serrage qui a remplacé le système de laçage habituel. Le logo ASICS argenté est apposé sur la languette. Le logo signature de Vivienne Westwood, est quant à lui apposé en travers sur le talon de la paire.

Bien que le « upper » semble très conceptuel, la midsole a tout d’une paire de running moderne. Habillée principalement de noir ou de blanc, elle combine la légèreté de la FlyteFoam et l’amorti GEL classique, lui apportant une sensation de support. La semelle extérieure en gomme vient compléter la silhouette de la paire. Quoiqu’il arrive que vous vouliez courir ou briller en soirée, cette nouvelle collaboration entre Vivienne Westwood et ASICS ne pourra que satisfaire votre amour de la mode et des sneakers Trendy.

La ASICS x Vivienne Westwood GEL-KAYANO 26 dans ces deux version est disponible cet Automne chez une sélection de revendeurs : The Broken Arm (Paris), Summer (Lyon), Starcow (Paris) et The Next Door (Paris), au prix de 240.00 €

read more
ArchivesMagazineNews de Mode

Marine Henrion, un vestiaire pragmatique

Basée à Paris où elle a fondé en 2015 sa marque éponyme, la créatrice française Marine Henrion développe une mode versatile et sophistiquée, héritée du Space Age des années 60 et popularisé par des séries à succès, et du minimalisme du courant Anversois des années 90. Un vestiaire pragmatique tourné vers l’avenir, intégralement produit en France.

Convaincue que la mode de demain doit se faire sans compromis, Marine Henrion propose des pièces avant-gardistes, conçues dans une démarche à la fois éthique et innovante. Des modèles techniques à l’esthétique marquée, féminin et masculin, près du corps et modulables, qui traduisent un esprit puissant et affirmé. Une mode ancrée dans le futur qui sait mettre le corps en valeur, le tout servi par une production responsable et un savoir-faire exemplaire.

Traitées en néoprène (noir et blanc) ou en plastique (polyuréthane semi-transparent), les pièces des différentes collections sont minimalistes et confortables. Des coupes épurées et des découpes stratégiques laissent libres les mouvements du corps, tout en subtilité. Chaque vêtement est conçu pour être modulable, grâce à des jeux d’oeillets et de lacets qui permettent de se l’approprier et de bouger en toute liberté.

Soucieuse d’inscrire ses créations dans une démarche responsable en phase avec les enjeux de l’époque, Marine Henrion évolue en périphérie du circuit traditionnel de la mode. Elle propose des collections non-saisonnières, qui forment une ligne cohérente en perpétuelle évolution.

Toutes ses pièces sont produites en France sur pré-commande pour une meilleure gestion des stocks, dans un néoprène certifié OEKO-TEX Standard 100 et dans un polyuréthane entièrement recyclablepour réduire l’impact écologique.

Une gamme d’accessoires (des bobs, des masques faciaux et des bandeaux) et une ligne de chokers en cuir fabriqués à Paris viennent compléter la collection femme, enrichie de pièces masculines.

marinehenrion.com

read more
ArchivesMagazineNews de Mode

ALTER – COLLECTION 2, TOTAL GENDER FLUID

NEW-YORK CITY. LONDRES. PARIS. POUR LES ÂMES INDOMPTABLES ET AVENTURIÈRES.
COULEURS, SONS, ET ATMOSPHÈRES : L’INSPIRATION D’ALTER S’ÉVEILLE A TOUS LES COINS DE RUE. UNE TEMPORALITÉ UNIQUE OU L’ON PASSE DE LA RUE AU CLUB, DU CLUB A LA RUE AVEC UNE AISANCE INCOMPARABLE.

C’EST A PARTIR DE CETTE ENERGIE ICONIQUE ET EN PERPÉTUEL RENOUVELLEMENT, QU’ALTER PENSE LE VÊTEMENT COMME UNE ARMURE PROTECTRICE.

INCARNANT L’ESPRIT DES GRANDES VILLES, LE VÊTEMENT DEVIENT UN MOYEN DE TRANSFORMER LA FOLIE EN UNE SOURCE D’ÉNERGIE ET DE CRÉATIVITÉ.
AFIN D’ÊTRE TOUJOURS SOI-MÊME, TOUT EN RESTANT OUVERT A L’IMPRÉVUE ET A L’ÉMERVEILLEMENT.

LA CRÉATRICE D’ALTER, PAULINE DUCRUET, S’EST INSPIRÉE DE LA DYNAMIQUE DE CES VILLES ICONIQUES POUR SA COLLECTION 2: LE BEIGE ET LE ROUGE DES MURS, LE DORÉ ET L’ARGENTÉ REFLÉTANT LE SOLEIL ET LES LUMIÈRES DES STROBOSCOPES.

LA TEXTURE FLUIDE ET SENSUELLE DE LA SOIE S’ACCORDE AVEC CELLE DU DENIM, PLUS BRUTE FAISANT ÉCHO AUX PIÈCES PHARES D’ALTER. LEURS COUPES NETTES ÉVOQUENT LES LIGNES ARCHITECTURALES DES BUILDINGS.

PAULINE PARVIENT, PAR SA MAÎTRISE DU COLLAGE ET SA VISION PARTICULIÈRE, A PROPOSER UNE COLLECTION QUI MET A L’HONNEUR L’ÉNERGIE VIBRANTE DES GRANDES VILLES ET DE LEURS ICÔNES. ÊTRE INSPIRÉE PAR LA VILLE ET NON PAS AVANCER CONTRE ELLE, RÉAFFIRMER LA BEAUTÉ DU CORPS ET DE L’INDIVIDU DANS UN MONDE DE BÉTON ET DE VERRE.

ALTER EST UNE MARQUE DE MODE UNISEXE CRÉÉE EN 2018 PAR PAULINE DUCRUET, DESIGNER DE MODE MONÉGASQUE QUI VIT ET TRAVAILLE ENTRE PARIS, MONACO ET NEW YORK. INSUFFLANT DE LA MODERNITÉ  A DES PIÈCES CLASSIQUES UPCYCLÉES, PAULINE CRÉE UN VESTIAIRE UNIQUE POUR TOUTES CELLES ET CEUX QUI ASPIRENT A` S’HABILLER LIBREMENT, SANS SE PRÉOCCUPER DES NORMES DE GENRE.

LA MARQUE UNISEXE ALTER NAÎT EN 2018 D’ENGAGEMENTS FORTS EN FAVEUR D’UNE SOCIÉTÉ PLUS RESPONSABLE ET INCLUSIVE.

SA CRÉATRICE, LA DESIGNER PAULINE DUCRUET, DÉCIDE DE PRODUIRE UNE LIGNE DE VÊTEMENTS HAUT DE GAMME ET ECO-RESPONSABLE, PORTEUSE D’UN IDÉAL DE TOLÉRANCE, D’AMOUR ET DE RESPECT ENVERS LA DIVERSITÉ DES GENRES.

ECO-RESPONSABLE, LA MARQUE ALTER S’INSCRIT DANS LA TENDANCE DE L’UPCYCLING : ELLE VALORISE ET RÉUTILISE DES MATIÈRES TELLES QUE LE DENIM ET LE CUIR, TRANSMUTE LES FORMES, LES TONS, LES FONCTIONS, CHERCHE DES SOLUTIONS TECHNIQUES ET CRÉATIVES POUR INVENTER DE NOUVELLES PIÈCES A PARTIR DE RÉCUPERATION.

INCLUSIVE, LA MARQUE ALTER S’ADRESSE A TOUS. HOMMES ET FEMMES, PERSONNES NON GENRÉES, NON BINAIRES ET GENDER FLUID, ONT ACCÈS AU MÊME VESTIAIRE.

INNOVANTE, ENFIN, ALTER APPORTE UNE NOUVEAUTÉ AU VESTIAIRE NO GENDER : UNE LIGNE EN PROPRE, UNIQUE, DONT LA PERSONNALITÉ NE DÉCOULE NI D’UNE LIGNE MASCULINE, NI D’UNE LIGNE FÉMININE, ET NE SE RATTACHE A AUCUN AUTRE VESTIAIRE.

LA MARQUE ALTER VEUT SE POSITIONNER COMME PRÉCURSEURS ET ACTRICE DE RÉFÉRENCE DE LA MODE DURABLE.

read more
ArchivesMagazine

KENZO TAKADA, l’Eternité en couleurs

Il était reconnaissable pour sa silhouette d’éternel adolescent, son visage rond et ses lunettes. Avec le temps, il avait changé sa coupe de cheveux, pour un look plus posé mais dès qu’il souriait, le jeune Kenzo Takada débarqué du « Cambodge » à Marseille en provenance de Yokohama en 1965, réapparaissait.

Né le 27 février 1939 à Himeji, près d’Osaka, Kenzo se passionne pour le dessin et pour la couture, qui était enseignée à ses sœurs. Formé au Bunka Fashion College (prestigieuse école de couture à Tokyo), il réalisait le rêve de tout amoureux de la mode en s’installant à Paris. Son talent, son charme et sa gentillesse lui ouvre toutes les portes.

Il crée sa première collection en 1970 dans sa première boutique de la galerie Vivienne. Il déménage à quelques pas en 1976, dans une boutique plus grande, donnant sur la place des Victoires, et fonde sa marque sous son seul prénom. Kenzo Takada marque les esprits en changeant les codes de la mode parisienne du moment. En insufflant un vent un vent de liberté, de la fraicheur, des couleurs acidulées.

« Quand il a montré ses premières créations, il s’est trompé de saison. Comme il ne maîtrisait pas le français, il a donc présenté la mauvaise ; l’été au lieu de l’hiver ou inversement, je ne sais plus, raconte Felipe Oliveira Baptista, directeur de la création de Kenzo depuis 2019. En dehors de l’anecdote, cela montre bien ce qu’était le monde de la mode dans les années 1970. »

Kenzo-Magazine ELLE 1970

En 1983, il lance sa ligne masculine, puis son premier parfum (Kenzo Kenzo) en 1988. En 1993, la marque est rachetée par le groupe de luxe LVMH. Kenzo Takada quitte la mode en 1999, sur un dernier défilé grandiose au Zénith de Paris, auquel avaient assisté 4000 personnes.

Il se consacrait depuis à des projets plus ponctuels, et a sa passion pour l’Art. En 2009, il vend son incroyable maison japonaise du quartier de la Bastille à Paris et en même temps, il disperse la majeur partie de sa collection d’art.

Photo: Jo ZHOU

Il organise en 2019 à l’occasion de ses 80 ans la fête « Arigato Paris ! » (« merci » en japonais) au Pavillon Ledoyen. C’est une façon de remercier toutes les personnes qui ont marqué sa vie parisienne… Ses collaborateurs des années 1970, ses mannequins, les acteurs et chanteurs qu’il avait habillé, les créateurs et photographes de mode et enfin ses amis – Marpessa Henninck, Satya Oblette, Chantal Thomas, Inès de La Fressange, Cristina Cordula, Jean-Charles de Castelbajac, Arnaud Lemaire ou encore le photographe Jean-Marie Marion.

dessin@-Archives-Kenzo

Il restera pour toujours connu pour sa passion des imprimés graphiques, de la couleur et de sa vision du métissage, de l’Extrême-Orient et de la France, mais aussi de l’Afrique et du sportswear Américain.

Le créateur japonais s’est éteint à l’âge de 81 ans, dimanche 4 octobre 2020, à l’Hôpital Américain de Paris, des suites du Covid-19.

read more
ArchivesMagazineNews de Mode

Anthony Peto, le chapelier fou

Anthony Peto est né à Londres. Il débuta sa carrière dans la capitale anglaise en tant que rédacteur en chef d’un journal d’art et organisateur de soirées. C’est au début des années 80, époque à laquelle il s’installa en France, que son amour pour l’univers du chapeau grandit en lui. Il monta son tout premier atelier de chapeaux dans le centre de Paris, en réunissant tout le savoir-faire nécessaire pour assurer une production de qualité, artisanale et innovante. Son objectif premier: créer des couvre-chefs tendances, faciles à porter, beaux et confortables.

Ses premières collections étaient dédiées à des formes masculines tels que le fédora ou encore le haut de forme. Il décida par la suite de changer d’horizon en prenant une direction plus libre et expressive: des perruques en plumes, des chapeaux découpés, des formes surdimensionnées dans des matériaux inédits, tout en conservant des formes plus traditionnelles et des modèles pour la vie de tous les jours.

Anthony Peto est maintenant distribué dans de nombreux pays et possède trois boutiques qui lui sont propres, deux à Paris et une à Dublin, où Anthony réside depuis plusieurs années. Son inspiration vient d’un imaginaire mêlant excentricité anglaise et chic parisien.

Les couleurs de ses collections rappellent les tons chauds de la Méditerranée. Souvent plébiscités par des professionnels du divertissement ou des passionnés de chapeaux du monde entier, on compte aussi parmi les amis de la marque des personnalités telles que Jacques Audiard, Christian Louboutin, Mathieu Chedid, Justin Timberlake, Joey Starr et bien d’autres encore.

Anthony Peto – 56 rue Tiquetonne – 75002 Paris

read more
ArchivesMagazineNews de Mode

FRENCH DEAL – The Volume IV collection

FRENCH DEAL, la marque de luxe basée à Paris, a dévoilé sa dernière collection Volume IV au Yoyo, Palais de Tokyo lors de la semaine de la mode masculine en juin 2019. Créée en 2012 par Steeven Kodjia, FRENCH DEAL est une marque de prêt-à-porter s’inspirant de l’univers hip-hop dans une vision revisitée du style urbain, avec un zeste de sophistication. Toutes les pièces sont confectionnées de façon artisanale en France. C’est la rencontre du hip-hop et du luxe.

Comme beaucoup de marques cette année, FRENCH DEAL à décidé de présenter une collection mixte. Des vêtements « Ready To Wear » pour hommes et pour femmes, mélangeant blazers et costumes, vestes en cuir, en passant par des trenchs, des chemises boutonnées, des pantalons et des shorts.  FRENCH DEAL évolue entre rigueur artisanale de qualité et inspiration streetwear. Pour la marque, tout est dans le soucis du détail. La justesse d’exécution, la précision des coupes, la provenance des tissus qui composent les produits, rien n’est laissé au hasard. C’est cette perception de la mode, qui réunit aujourd’hui toute l’équipe créative. La défense des savoir-faire s’intègre naturellement dans les valeurs de la marque. FRENCH DEAL travaille ainsi avec des Entreprises du Patrimoine Vivant et fait fabriquer 100% de ses pièces en France.


La collection a été présenté dans un décor inspiré d’un village africain. Conçue avec des matériaux uniques dérivés de la Côte d’Ivoire, cette ligne rend hommage aux racines culturelles du créateur tout en présentant le meilleur du design français et de la confection européenne.

De plus, le 27 juillet dernier, le directeur artistique de la maison French Deal s’est rendu à l’International Fashion Film Festival de La Jolla, San Diego, pour y présenter le fashion film de la dernière collection Volume 4.
Nominé dans 6 catégories lors de cet évènement, French Deal a été primée pour l’award « BEST FASHION 2019 » lors de la soirée de remise des prix.

Entièrement réalisé en Côte d’Ivoire, à Abidjan, le fashion film du Volume 4 dévoile le retour aux sources du directeur artistique. On voyage, on découvre, on apprend avec lui. French Deal célèbre l’Afrique et nous raconte l’histoire merveilleuse et douloureuse d’une reine prête au plus grand sacrifice  pour sauver son peuple. La force de la Femme est mise sous le feu des projecteurs au cœur de l’Odyssée du peuple Baoulé. La musique est envoûtante. Les images portent l’authenticité. French Deal transcende et nous élève dans les nuages d’une mixité ethnique.

http://frenchdeal.biz/french-deal-prime-a-linternational-fashion-film-festival-de-la-jolla-san-diego/

read more
1 2
Page 1 of 2