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ALTER: upcycling chic hors normes

Alter est une marque de mode unisexe créée en 2018 par Pauline Ducruet, designer de mode monégasque qui vit et travaille entre Paris, Monaco et New York.
Insufflant de la modernité à des pièces classiques upcyclées, Pauline crée un vestiaire unique pour toutes celles et ceux qui aspirent à s’habiller librement, sans se préoccuper des normes de genre.

Photo: Laurent Becotruiz

La marque unisexe Alter naît en 2018 d’engagements forts en faveur d’une société plus responsable et inclusive. Sa créatrice, la designer Pauline Ducruet, décide de produire une ligne de vêtements haut de gamme et éco-responsable, porteuse d’un idéal de tolérance, d’amour et de respect envers la diversité des genres. Eco-responsable, la marque Alter s’inscrit dans la tendance de l’upcycling : elle valorise et réutilise des matières telles que le denim et le cuir, transmute les formes, les tons, les fonctions, cherche des solutions techniques et créatives pour inventer de nouvelles pièces à partir de récupération.

Photo: Cyprien Leym – Modèle: Rémy@blakemen-Paris

Inclusive, la marque Alter s’adresse à tous. Hommes et femmes, personnes non genrées, non binaires et gender fluid, ont accès au même vestiaire.
Innovante, enfin, Alter apporte une nouveauté au vestiaire no gender : une ligne en propre, unique, dont la personnalité ne découle ni d’une ligne masculine, ni d’une ligne féminine, et ne se rattache à aucun autre vestiaire. La marque Alter veut se positionner comme l’une des précurseurs et actrice de référence de la mode durable. Les vêtements Alter peuvent apparaître comme des vecteurs de transformation, dans les matières et dans les formes d’abord, altérées à l’atelier, ainsi que dans leur vocation sociale. Chez Alter, le désir d’inclusion sociale se substitue à celui de distinction sociale propre à la mode haut de gamme et luxe.
Son vestiaire, élégant, audacieux et exigeant, a d’emblée été pensé pour s’adresser à tous les genres et faire éprouver la fierté d’être soi. Fierté, mais aussi solidarité, et sentiment d’appartenance à un tout plus tolérant et respectueux de la diversité : voilà les valeurs que désire véhiculer Alter.

Photo: Laurent Becotruiz

Inspirés des voyages de Pauline dans des grandes villes cosmopolites et créatives telles que Beyrouth, Istanbul, ou Rio de Janeiro, inspirés de lectures, de rencontres, de son amour pour l’architecture moderne, pour le brutalisme du Corbusier et le Bauhaus, où des lignes simples et efficaces subliment la matière, d’autres vêtements sont créés, dans le même esprit de récupération, d’altération et de re-création.
De la conception à la mise en production, le processus se développe grâce à un sens aigu
du travail, au savoir-faire de la designer, à son exigence et à sa foi inébranlable dans son intuition.
Déterminée et persévérante, elle déniche çà et là les matériaux les plus purs et les plus nobles à upcycler, du cuir au denim en passant par le coton japonais, le satin de soie ou encore le cashmere, pour leur donner les formes, les volumes et les couleurs de son imagination.

Photo: Cyprien Leym – Modèle: rémy@blakemen-Paris

Vestiaire unique et commun à tous, entre identités féminine, masculine et no gender, son ambition est de déconstruire et brouiller les normes sociales liées au genre. Mais il mêle également esprit moderne et intemporalité. Récupérant des pièces classiques, qu’elle altère, la designer Pauline Ducruet réinvente et crée le vesti-aire unisexe d’aujourd’hui, composé de vêtements upcyclés, dans l’air du temps.
Déconstruction des formes, des matières, des coloris, le vestiaire d’Alter propose des coupes et des volumes originaux, inspirés de deux identités a priori contra-dictoires, mais savamment composées : une identité urbaine et underground issue du New York des années 1960 à 1990, avec le célèbre Velvet Underground qui inspira (entre autres) David Bowie, et une élégance à la française qui puise sa source dans les origines de la créatrice. La collection Spring-Summer 2020 est composée d’un nombre de pièces restreint, travaillées avec soin. Des finitions d’aspect brut, dépenaillé, pour un style libre et décontracté, sur des matériaux purs, nobles, et délicats, en grande majorité upcyclés :
voilà la signature d’Alter.

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ArchivesLifestyleMagazine

ALÉNA, Gourmandise de Truffe

Aléna la nouvelle marque française pose la question: Et si le vrai goût de la truffe était enfin accessible ?
Les objectifs d’Alena ? Rendre accessible au plus grand nombre le véritable goût de la truffe et l’émotion qu’elle procure. Développer des valeurs de partage et de convivialité autour du diamant noir.
Aléna est une toute nouvelle marque développée par Mathieu Trellu et Guillaume Gé, fondateurs de la société Truffe Extra France, spécialisée dans la production et le négoce de truffe fraîche de saison et d’origine Aquitaine.


Actuellement fournisseurs des plus grands Chefs à travers le monde, ils ont créé le projet Aléna qui a la volonté de faire bouger les lignes du marché de la truffe et propose de fournir des truffes de haute qualité au grand public. « Le marché de la truffe est malheureusement aujourd’hui trop opaque, trop aléatoire, et trop onéreux pour la qualité proposée. Nous voulons faire bouger les lignes !» affirme Guillaume Gé. Face à des consommateurs qui souhaitent se faire plaisir, à la recherche de produits locaux et de qualité, Aléna intègre toute la chaîne de valeurs de la truffe pour une traçabilité sans faille depuis la production jusqu’à la valorisation. La marque propose ainsi directement aux particuliers des truffes de haute qualité. Le prix est enfin juste, pour la production, l’acheteur et le consommateur.
Le véritable goût de cette truffe noire du Périgord devient accessible à tous.
Avec Aléna, la truffe est abordée de manière simple et désinhibée. Aléna offre aux amateurs de bonnes choses des moments conviviaux entre amis ou permet de sublimer des recettes simples du quotidien, les occasions sont multiples.

Et si la truffe se consommait à la petite cuillère ? C’est le pari d’Aléna pour rendre le vrai goût de la truffe accessible à tous. « La truffe, c’est saisonnier, c’est rare, et surtout ses arômes sont terriblement fragiles» commente Matthieu Trellu, « alors, nous avons inventé une nouvelle manière de la consommer». Après des mois de test, c’est le suprême qui né : une nouvelle façon d’appréhender la truffe.
L’idée ? Une sélection du meilleur des truffes d’Aléna, produites en Aquitaine, récoltées à pleine maturité, broyées, mélangées avec une huile neutre, salées et / ou poivrées, le tout scellé dans une petite boîte de métal pour une fraîcheur qui dure trois mois. Le suprême est tout d’abord testé auprès des plus grands chefs à travers le monde pendant deux ans avec des retours unanimes et enthousiastes. Ainsi, avec Aléna, elle se partage, on l’utilise avec les doigts ou à la petite cuillère. Elle se cuisine facilement. La truffe devient un met simple, régressif et gourmand ; elle génère enfin toute l’émotion qu’elle porte.


Aléna a ainsi développé une gamme, adaptée pour deux usages:

LE SUPRÊME DE TRUFFE NOIRE ALÉNA, c’est la quintessence de la truffe noire du Périgord de haute qualité. Plus puissant encore que la truffe fraîche, il sublime les inspirations truffées (brouillades, risottos, pâtes…), se déguste sur des toasts ou se partage à la petite cuillère.

LE SUPRÊME DE TRUFFE D’ÉTÉ, plus doux en goût, il anime les apéritifs, permet les improvisations gastronomiques décontractées et les moments à partager.

IDÉE RECETTE: BROUILLADE  D ’OEUFS À LA TRUFFE

Ingrédients: 1 boîte de 15g ou 30gr de suprême de truffe noire ou de truffe d’été Aléna selon la puissance aromatique recherchée (vous pouvez ajouter un peu de truffe fraîche pour la décoration si le coeur vous en dit…), 6 beaux oeufs fermiers.

Cassez vos oeufs et mettez-les dans une casserole à feu doux. Mélangez jusqu’à ce que la préparation
épaississe. Sortez du feu et incorporez votre suprême de truffe.
Mélangez et laissez infuser à couvert hors du feu une bonne minute.
Vous pourrez déguster cette brouillade avec des mouillettes grillées frottées à l’ail.

Avec Aléna, découvrez le plaisir de cuisiner facilement un met d’exception.

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EMANUEL UNGARO – l’obsédé sensuel

«Emanuel Ungaro, parce qu’il aime les femmes, connaît les limites de la tolérance masculine, il créera un vêtement trop beau pour être arraché, mais assez malin pour suggérer de l’ôter avec tendresse» Christine Orban

Obsédé sensuel! Ce n’est pas moi qui le dit, mais lui qui le revendiquait.

Né en 1933 à Aix en Provence, Emanuel Ungaro, fils d’émigrés italiens, apprend le métier de tailleur avec son père. Il monte à Paris à l’âge de 23 ans où il rentre en formation chez le couturier espagnol Cristobal Balenciaga, qu’il considérera comme son Maître, et qui lui donnera le goût de la couleur. Ungaro dira plus tard que son père et Balenciaga lui ont tout appris. Après deux ans chez Courrèges, il ouvre sa maison de Couture en 1965, présentant une collection dans l’esprit futuriste très à la mode à cette période, créée avec peu de moyens, puis au fil des collections suivantes, il laisse apparaître sa marque de fabrique : des imprimés de couleurs vives et un art prononcé et parfaitement maîtrisé du drapé, avant de lancer une ligne de prêt à porter en 1968 puis une ligne homme en 1973. Il est certain que ses mélanges d’imprimés de fleurs et de pois, ses associations de rayures et de carreaux, des chocs de couleurs souvent vives et inhabituelles ouvrent de nouveaux horizons à la haute couture. 

«Il ne faut pas porter une robe, il faut l’habiter» aimait-il à dire. En 1980, il recevra un Dé d’Or, prix récompensant la meilleure maison de couture. Fou de couleurs et d’imprimés, il osait des mélanges qui chez d’autres auraient pu être improbables, mais qui chez lui donnait une idée d’opulence chic. Avec Ungaro, les matières sont fluides et la robe doit n’être qu’un faire-valoir des courbes du corps d’une femme libre de ses mouvements. Pas à pas, il avait développé sa maison, créant des licences de parfums, de lunettes, de chaussures… Empire qu’il avait revendu en 1996 à la famille Ferragamo. 

Emanuel Ungaro, marié et père d’une fille, avait commencé à prendre ses distances à partir de 2001, laissant à son principal collaborateur, Giambattista Valli, la direction artistique du prêt-à-porter et des accessoires, avant de se retirer du monde de la haute couture en 2004.

Le couturier, très fatigué depuis deux ans, s’est éteint le 21 Décembre 2019 à l’âge de 86 ans.

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l’Hôtel Barrière Le Fouquet’s Paris s’agrandit avec 4 nouvelles suites.

l’Hôtel Barrière Le Fouquet’s Paris inaugurera les 4 Suites Signature de son extension fin Novembre. Imaginées par Jacques Garcia et pensées comme de véritables appartements parisiens, elles sont une ode à l’Art de Vivre à la française. Au sommet, la Suite Harcourt rend hommage au célèbre studio parisien et propose une expérience hors du commun, sous les projecteurs et le ciel de Paris. 

Entièrement rénové et agrandi en 2017, l’Hôtel Barrière Le Fouquet’s Paris assoit sa légende sur la plus belle avenue du monde avec la création de 19 nouvelles Chambres et Suites dont 4 Suites d’exception signées Jacques Garcia. Véritable joyau du groupe Barrière, l’hôtel s’impose face à l’Arc de Triomphe comme un lieu où le temps peut suspendre son vol.

 

Si les Chambres reprennent l’esthétique discrète et le design soigné du reste de l’hôtel, les 4 Suites Signature, conçues comme de véritables appartements parisiens, offrent de magnifiques espaces de vie, sublimant les moulures et cheminées d’origine et promettant à leurs hôtes une immersion totale au cœur du style et de l’art de vivre de Paris.

Au fil des étages, on découvre trois Suites comme on remonterait les Champs, de la « Suite George V » à celle la Suite « Arc de Triomphe ».

Loin des couleurs chatoyantes et chaudes des parties communes, Jacques Garcia a choisi d’y faire régner des tons clairs et apaisants, rehaussés de touches noires et dorées, pour en faire de véritables cocons de bien-être et de sérénité face à l’effervescence des Champs-Élysées.

Au sommet, la Suite Harcourt rend hommage à la collaboration entre l’Hôtel et les Studios Harcourt dont les histoires s’entremêlent depuis le début du 20e siècle. De Joséphine Baker à Édith Piaf, de Gabin à Tarantino, des Molière aux César, Le Fouquet’s est le rendez-vous éternel du monde des arts et du cinéma et les œuvres d’art photographiques signées Harcourt y trouvent, très tôt, leur place sur les murs. Une entente mythique qui voit son apothéose avec la création de cette Suite, couronnant l’Hôtel et surplombant les Champs-Elysées.

Sous le regard en noir et blanc des célèbres visages Harcourt immortalisés sur les murs, la Suite Harcourt déploie ses 200m2 de prestige et d’élégance.

Au cinquième étage de l’Hôtel Barrière Le Fouquet’s Paris, cet appartement typiquement parisien reprend les codes et l’esthétique du Studio, des appliques murales aux projecteurs, en passant par la feuille d’or et la dominante noir et blanc. Les fenêtres œil de bœuf, si caractéristiques de l’architecture parisienne, rappellent les objectifs photographiques et illuminent chaque pièce de leur vue imprenable sur les Champs-Élysées et l’Arc de Triomphe. Pénétrer dans la Suite, c’est toucher du doigt l’élégance à la française et l’art de recevoir très parisien, qui font la réputation du Studio Harcourt comme du groupe Barrière.

Le plus ? Un salon qui se transforme en un clin d’œil en véritable studio photo et un espace maquillage professionnel, pour offrir aux hôtes de cette Suite prestigieuse, leur propre portrait signé Harcourt.

Lieu emblématique du luxe et de l’art de vivre parisien, l’Hôtel Barrière Le Fouquet’s Paris promet, avec ces Suites d’exception, une véritable immersion dans le Paris typique où l’on entre dans sa Suite comme l’on rentrerait chez soi, où l’on reçoit et où l’on choie. A découvrir dès le 28 novembre 2019.

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ArchivesLifestyleMagazine

NEW ERA COLLECTION HIVER 2019

L’hiver est à notre porte. Pour affronter les éléments une nouvelle ligne de casquettes et de bonnets New Era spécialement pour l’hiver.

Cette saison, la marque de Buffalo met les plus grandes équipes de baseball à l’honneur, avec une collection hivernale de casquettes et bonnets pour un look sportswear, quelle que soit la météo.

Honorant les trois équipes de la MLB (la league de baseball aux Etats-Unis) les plus emblématiques, les Los Angeles Dodgers, New York Yankees et Atlanta Braves.

la version de la 9FORTY, la casquette emblématique de New Era, de cette saison est assez résistante pour braver les mois d’hiver. Elle conserve toutes les caractéristiques de la casquette d’origine, avec une calotte haute et une languette réglable, mais est confectionnée en flanelle épaisse dans des couleurs simples avec le nom de l’équipe figurant en ton sur ton. Les bonnets en grosse maille présentent des logos grand format et une doublure polaire thermique pour affronter les conditions climatiques les plus difficiles.

La collection sera disponible en magasin et en ligne sur neweracap.eu à partir du 11 novembre 2019.

L’histoire de New Era :

Depuis 1920, New Era fabrique de façon artisanale leurs casquettes et bonnets. Aujourd’hui, avec des lignes de vêtements et d’accessoires, la marque est l’un des leaders du marché. Implantée dans le sport, elle compte parmi les créateurs exerçant une influence sur la culture urbaine et les modes de vie partout dans le monde. Avec plus de 500 licences dans son portefeuille, New Era est la marque de choix dans le monde du sport, de la mode, de la musique et des divertissements. L’entreprise est basée à Buffalo, N.Y., et ses?produits sont vendus dans plus de 80 pays.

Pour en savoir plus sur les?bureaux internationaux?et les partenariats de New Era, visitez?www.neweracap.com?et les réseaux sociaux @neweraeurope.

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NATURA présente la nouvelle gamme HOMEN

Découvrez l’univers Natura HOMEM une ligne de soins complète spécialement dédiée aux hommes. Inspirés par les merveilles de la biodiversité brésilienne, ces 10 nouveaux soins prennent en compte les besoins des peaux masculines et ont été créés pour apporter plaisir et bien être. Découvrez les bienfaits des ingrédients végétaux issus de la biodiversité brésilienne présents dans la gamme HOMEM.

Les meilleurs ingrédients de la biodiversité brésilienne:

BÉTAÏNE DE CUPUAÇU
Le Cupuaçu est un fruit originaire d’Amazonie. Son arbre, cousin du Cacau, donne de magnifiques fleurs rouges et de grosses cabosses remplies de fèves riches en acide linoléique. On extrait de ces fèves la bétaïne de Cupuaçu, un agent nettoyant très doux à découvrir dans le gel nettoyant visage et le shampooing pour cheveux gras.
L’HUILE DE COPAÍBA
Les pouvoirs hydratants et apaisants de l’huile de Copaíba sont légendaires en Amazonie. Cette huile extraite de la sève de Copaíba est traditionnellement utilisée par les communautés locales comme un baume cicatrisant pour la peau. L’huile de Copaíba protège et apaise votre peau tout en la laissant délicatement parfumée de notes fraîches et boisées, à la fois élégantes et masculines.
L’HUILE ESSENTIELLE DE CANDEIA
L’huile essentielle de candeia est obtenue par distillation du bois de Candeia, un arbre originaire de la Forêt Atlantique au Brésil, avec une teneur élevée en alphabisabolol.
Les bienfaits de la Candeia : Action anti-inflammatoire et apaisante, protège et régénère la peau, adoucit la peau.

Profondément ancrée dans la culture du Brésil, pays qui possède la biodiversité la plus riche du monde, Natura Brasil s’est engagée depuis longtemps à utiliser les ingrédients brésiliens naturels dans ses
produits. Le centre de recherche et développement étudie chaque ingrédient de manière à extraire les principes actifs et à apporter le plus de bénéfices pour la peau et les cheveux des consommateurs.
Natura travaille également avec les communautés locales de la région d’Amazonie pour les aider à développer un modèle commercial durable pour leurs habitants et en faveur de la forêt. Aujourd’hui ils travaillent en direct avec plus de 30 communautés à travers la région d’Amazonie et d’autres régions du Brésil, incluant plus de 2 000 familles. En 2013, la marque a renforcé son engagement dans la région Amazonienne avec l’ouverture de son Ecoparque à Belem, un complexe de production ultra moderne et écologique, qui génère une activité durable et favorise l’entreprenariat local dans cette région pauvre du monde.

Natura Brasil – Le Marais
35 Rue Sainte-Croix de la Bretonnerie, 75004 Paris

@Naturabrasilfr

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ISKN lance Repaper en édition limitée avec FABER-CASTELL

La startup grenobloise ISKN dévoile son tout nouveau produit sur le marché des arts créatifs : Repaper. Dotée de la technologie unique d’interaction augmentée, cette nouvelle génération de tablette graphique succède à la Slate lancée en 2015, avec l’ambition de proposer une expérience de dessin inégalable. Après le partenariat annoncé en mai 2019 avec Bandai Namco Entertainment Europe et le lancement de tori™, iskn franchit un nouveau cap et lance Repaper le 4 novembre prochain.
Avec sa technologie d’interaction augmentée™ ISKN fait de Repaper un produit unique au monde sur le marché des tablettes graphiques.
La technologie d’interaction augmentée développée par ISKN vient bouleverser l’industrie des arts créatifs, en transformant des crayons à papier en crayons «digitaux», faisant de Repaper un produit incomparable sur le marché des tablettes graphiques.

Edouard Bressy

Un lancement en édition limitée Faber-Castell. Le plus grand fabricant mondial d’instruments d’écriture et de dessin haut de gamme s’associe à ISKN pour le lancement de Repaper. Une collaboration matérialisée par une édition limitée Iskn X Faber-Castell (chaque coffret est doté d’un crayon graphite Castell 9000 (2B) cobrandé iskn). Ce partenariat illustre l’ambition d’iskn et de Faber-Castell sur le marché des arts créatifs. Du mode nomade sans écran pour sketcher à l’extérieur en toute liberté, dans la rue, au musée… à la mise en couleurs en mode tablette graphique à l’aide du stylus iskn et ses logiciels de création favoris, Repaper accompagnera l’ensemble des utilisateurs, de l’esquisse papier-crayon, à la mise en couleurs digitale.

Edouard Bressy

Redesignée et dotée de nouvelles fonctionnalités, Repaper sublime l’expérience du papier-crayon-digital, pour toujours plus de fluidité et d’efficience. L’application rebaptisée Repaper Studio, a fait l’objet de profonds changements, et propose une toute nouvelle interface hyper intuitive. De beaux moments créatifs inédits en perspective, à la portée de tous. Repaper intègre de nouvelles fonctionnalités dont la pression. Une option longuement attendue par les utilisateurs de la Slate.
Grâce à Repaper et ses 8192 niveaux de pression, il est maintenant possible de dessiner avec ses crayons favoris, n’importe où et n’importe quand, et de disposer d’une version numérique fidèle au coup de crayon. Une vraie révolution sur la planète dessin!

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La RMN ouvre le 1er concept-store dédié à l’univers des musées

La RMN vous propose du 7 novembre 2019 au 5 janvier 2020 de découvrir le meilleur des cadeaux de musées !

A l’occasion des fêtes de fin d’année, la Réunion des musées nationaux – Grand Palais ouvre dans le Marais à Paris, le Pop-up boutiquesdemusées, le premier concept-store éphémère de France dédié à l’univers des musées.
À deux pas du métro Saint Paul, au coeur du Marais, dans un espace traversant à deux entrées sur rue – 9 rue de Rivoli et 39 rue François Miron, Pop-up boutiquesdemusées vous accueille du 7 novembre 2019 au 5 janvier 2020.


Ce pop-up store unique consacre 60m2 au meilleur des cadeaux de musées, pour la première fois réunis en un seul lieu. Une sélection d’objets inédits librement inspirés
d’œuvres d’art présentées dans les plus grands musées tels que le musée du Louvre, le musée d’Orsay, le château de Versailles, le Centre Pompidou, le musée Picasso, le Grand Palais … côtoie des objets originaux imaginés par des créateurs et des designers contemporains pour la RMN. Des collaborations artistiques en série limitée à offrir ou à s’offrir. L’univers de l’enfant peuplé de jouets drôles et intelligents, de livres d’activité et de coloriages prolonge jusque sous le sapin l’expérience du musée à la maison.

Vous pourrez y trouver une large sélection d’idées cadeaux tel que des moulages, des objets décoratifs et d’art de la table, ainsi que des accessoires de mode et de beauté, mais aussi une sélection de beaux livres et des lignes de papeterie élégantes et audacieuses qui font de ce lieu éphémère le pop-up store parisien de référence pour dénicher des cadeaux de Noël originaux, chargés d’histoire, arty, trendy et contemporains.

 

Pop-up boutiquesdemusées
Du 7 novembre 2019 au 5 janvier 2020
Ouvert du mardi au vendredi de 12h à 20h – Samedi et dimanche de 11h à 19h
Fermé le lundi – Fermeture dimanche 5 janvier à 19h
Adresse : 9 rue de Rivoli et 39 rue François Miron 75004 Paris
https://www.boutiquesdemusees.fr/fr/

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LACLOCHE, JOAILLIERS 1892-1967

Pour la première fois, une exposition du 23 octobre au 20 décembre 2019 et un ouvrage rendent hommage à Lacloche, maison de joaillerie emblématique en Europe de 1892 à 1967.

Paire de boucles d’oreilles de style Egyptien

La Belle Époque de la maison Lacloche

La maison Lacloche fut l’une des gloires de la joaillerie parisienne, de la Belle Époque aux années 1960. Établie rue de la Paix en 1901, elle était également présente à Madrid et Londres et disposait de succursales à Nice, Biarritz, Saint-Sébastien, Cannes, Deauville.
Lacloche Frères, puis Jacques Lacloche, qui ont débuter modestement rue de Châteaudun en 1892, et ont pourtant fini parer des têtes couronnées – la reine Victoria d’Espagne, Édouard VII d’Angleterre, les rois de Grèce et de Siam -, des personnalités de l’aristocratie, telle la duchesse de Westminster, ainsi que des stars d’Hollywood, dont Grace Kelly. Toutes pièces de la maison Lacloche étaient conçus par les meilleurs ateliers parisiens, comme Strauss, Allard, Meyer ; Verger ; Helluin-Mattlinger ; Langlois ou Rubel… dont les noms sont mis en lumière dans cette exposition comme dans l’ouvrage qui lui est consacré.

C’est la première fois qu’une exposition est dédiée à la créativité de ce joaillier. Elle est organisée alors que paraît l’unique monographie sur cette brillante famille de joailliers par Laurence Mouillefarine, également co-auteur de l’ouvrage.
À travers des bijoux, des pendules et pendulettes, des nécessaires de beauté – la spécialité des Lacloche – et des documents d’archives, la rétrospective illustrera, tour à tour, le naturalisme propre à l’Art nouveau, l’Egyptomanie et l’engouement pour l’Extrême-Orient au temps des Années folles, le modernisme de l’Art déco, la fantaisie séduisante des années 1950.

L’apogée de la maison Lacloche

Loelia Ponsonby, duchesse de Westminster,1931 – © The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby’s

Toutefois, le point d’orgue de cette rétrospective inédite sera l’évocation d’un événement devenu historique : l’Exposition internationale de 1925 qui se tint à Paris durant six mois. Une longue chasse aux trésors a, en effet, permis de retrouver, aux quatre coins du monde et auprès de collectionneurs privés, des joyaux que les frères Lacloche déployèrent sur leur stand lors de cette manifestation mythique. Des bracelets, des broches, des pendulettes, des boîtes qui, tous, éblouissent par leur élégance et la délicatesse de leur fabrication.

Devant de corsage – Platine & diamants

Entrée libre du lundi au samedi de 12h à 19h au 31 rue Danielle Casanova 75001

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L’Instax mini LiPlay est toujours le cadeau idéal

L’Instax mini LiPlay ouvre le champ des possibles pour un cadeau idéal !
Ce nouvel Instax, à la fois appareil photo instantané mais aussi imprimante pour Smartphone, est le cadeau original et innovant pour combler l’être cher, votre la famille ou vos amis. Parfait pour récompenser un ado bon élève, ou pour surprendre un ami le soir de son anniversaire. Et bien sur, ce sera le cadeau à glisser au pied du sapin le soir de Noël.

Un moment entre amis, des rires, un anniversaire à fêter, une soirée animée, à l’heure d’Instagram, ça « s’instax » et ça s’enregistre ! Pour la première fois au monde, un appareil photo instantanée permet d’ajouter du son aux photos. Une nouvelle expérience sensorielle unique rendue possible grâce à une fonction audio qui enregistre jusqu’à 10 secondes de son et un QR code à scanner sur la photo pour découvrir le message. Idéal pour envoyer ses vœux personnalisés, rendant ainsi le moment encore plus précieux.

Intuitif et facile d’utilisation, ce bijou de technologie peut être piloté depuis un smartphone via l’application « Instax mini LiPlay ». Sa fonction « Prise de vue à distance » a la capacité de déclencher l’obturateur à l’aide d’un smartphone sans toucher à l’appareil photo; parfait pour les photos de groupe ou en famille pour les soirées et les fêtes de fin d’année !
L’écran LCD de cet appareil instantané hydride rend possible de visualiser, choisir, recadrer et même
réimprimer ses photos au format Instax Mini. Il peut également être utilisé comme imprimante et permettre aux plus beaux clichés pris depuis un smartphone de prendre vie sur papier photo Instax, un gage ultime de qualité. L’appareil dispose aussi de 10 cadres créatifs sélectionnables et intégrés à l’image, de quoi customiser ses souvenirs de façon fun et originale.

Modèle le plus compact de la gamme Instax, le LiPlay est discret, facile à transporter et s’adapte à toutes les mobilités. C’est l’appareil idéal à glisser dans sa poche ou dans son sac à main et bien sûr au pied du sapin ! Le LiPlay est disponible en trois coloris, « Blanc Pierre », « Noir Élégant » ou « Rose Doré » de quoi satisfaire toutes les envies. Son design épuré et élégant, offre une finition dédiée pour chaque couleur de boitier, renforçant encore le côté sensoriel de l’appareil et faisant du LiPlay un véritable objet design, original, qui convient à tout le monde.

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TRÉMOIS-RÉTROSPECTIVE: l’amoureux du trait

Pierre-Yves Trémois, né en 1921, est un artiste qui conjugue le passé au présent. Amoureux du trait, adepte de la ligne pure, sans concession au volume, à l’ombre, à la couleur, ou si peu, Trémois trace sur le papier, le parchemin, la toile, des courbes parfaites, incise le cuivre, la terre, le bronze… avec une diabolique habileté.
Une gestuelle ample et sans possibilité du moindre repentir dans ses œuvres peintes de grand format, associée à une étonnante et fabuleuse précision de la main dans ses estampes, pièces d’orfèvrerie ou céramiques, sont les fondements de son écriture, une écriture dont il ne s’est jamais départi, et qui ne trouve dans l’art moderne aucune équivalence, aucune appartenance à quelque mouvement que ce soit.

 

Dürer

Du premier coup d’œil, on reconnaît un Trémois, comme on reconnaît un Buffet, un Miró, un Bacon ou encore un Mathieu avec lequel il entretint durant des années une solide amitié et une admiration partagée.
C’est la (re)découverte de cette écriture singulière, doublée d’un profond humanisme, où l’art voisine en permanence avec la science et la philosophie, qui vous est aujourd’hui proposée dans une exposition à double visage : Réfectoire des Cordeliers, « Le fou du trait » Celui d’abord de l’éclectisme des productions d’un artiste en quête permanente de défis à relever, de techniques à peaufiner ou à révolutionner, de réponses à trouver quant aux contradictions d’une nature humaine pour laquelle il éprouve cependant une passion profonde ; un éclectisme à qui le trait donne toute sa cohérence.

Couple à l’ADN

Musée d’Histoire de la Médecine, « Les Grands Livres Illustrés » Celui aussi,exceptionnel bien que plus confidentiel, des « Grands Livres Illustrés », 26 ouvrages à tirages limités, réalisés pour certains à quatre mains avec des personnalités telles que Montherlant, Claudel, Rostand ou bien encore Fellini…, comportant de multiples burins et eaux-fortes qui jalonnent son parcours artistique depuis 1945.
– Yvan Brohard, commissaire de l’exposition –

Le Singe Savant – 1994

Réfectoire des Cordeliers: « LE FOU DU TRAIT »
Homme de son temps à l’héritage humaniste pérenne, il n’est assimilable à aucun
courant, aucun mouvement de l’art moderne. C’est dire si son écriture est unique et
possède un accent d’universalité !

Le singe et l’homme

Infatigable chercheur, ses terrains d’élection sont multiples : estampes, dessins,
peintures et monotypes, mais également sculptures, céramiques, orfèvrerie… Avec
une place particulière pour ses « Grands Livres Illustrés » : 26 ouvrages à tirages
limités comportant de multiples burins ou eaux-fortes qui jalonnent son parcours
artistique à partir de 1945. De Rostand à Fellini, de Guitry à Montherlant, de Mathieu à Jouhandeau, de Pauwels à Buffet, de Claudel à Dali…, sa vie est émaillée de rencontres dont certaines donnent naissance à de riches collaborations et à de profondes amitiés.
Si les peintures de Lascaux sont pour lui des fondements incontournables, révélant des artistes auxquels il aime, dans une profonde communion à s’associer ; s’il reconnaît dans l’art égyptien un caractère hiératique et éternel qui le trouble, Trémois trouve dans l’art japonais du portrait d’incontournables références. Pas d’ombre, de matière, de volume, de perspective, de couleur ou si peu, de repentirs… seulement des signes !
Mais si Trémois est fasciné par l’Orient, il est aussi l’héritier d’une culture occidentale, prolifique en maîtres du trait, celle des Primitifs comme Mantegna, Signorelli, Pietro della Francesca, avec une prédilection particulière pour la Renaissance et l’Humanisme; deux notions, deux réalités indissociables, essentielles elles aussi à son inspiration et à la réalisation de son œuvre. Ainsi, rend-til de vibrants hommages aux maîtres tels que Dürer « dieu des graveurs et graveur des empereurs » dans « un dieu désordonné », ouvrage dont les planches liées entre elles, forment une bande gravée de 6,60 mètres de long sur 38 cm de hauteur !

La mer

Riche de ces deux influences, l’art de Trémois est avant tout celui du trait, un trait d’une absolue pureté qui donne à son écriture sa fabuleuse singularité. Car pour Trémois, le trait, à l’image d’une signature, ne tolère ni hésitation, ni rature, ni gommage. Il est l’expression de soi !
Pour respecter la pureté de la ligne, il ne fait que peu de concessions aux couleurs, si ce n’est à un bleu profond ou à un rouge aux accents de cinabre si chers à l’Asie, traités en à-plats ; et surtout au blanc auquel il voue une véritable passion.
Même dans son œuvre sculpté, il revendique son appartenance à une « sculpture du trait, de la ligne », celle des prodigieux bas-reliefs assyriens ou égyptiens, plus qu’à une « sculpture en volume » si chère à Rodin.
Ne soyons toutefois pas dupes de l’extrême lisibilité de ses œuvres ; c’est quand elles nous paraissent les plus claires qu’elles sont les plus mystérieuses !

Grand Livre Bestiaire

L’écriture de Trémois, par essence figurative, possède en effet l’indéniable pouvoir, comme l’exprime Jean Rostand en février 1971, de « dominer la technique au point de la faire oublier » et ainsi de nous laisser entrevoir les arcanes de sa pensée. Si Trémois est le trait, il est aussi le corps, et plus encore le corps nu, dépourvu de tout artifice, dans sa beauté originelle, car il a aussi le culte du Beau ; non pas d’une beauté figée, prisonnière de simples codes esthétiques, mais d’une beauté en mouvement, transcendée par les multiples facettes de la passion.

Du 03 au 26 octobre 2019
Réfectoire des Cordeliers 15, rue de l’École de Médecine, Paris 6e
Musée d’Histoire de la Médecine 12, rue de l’École de Médecine, Paris 6e

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